1 de julio de 2026

Musidora: La Diosa de la Noche que Inventó a la 'Vamp' y Sedujo al Surrealismo

 

La Sombra que Hipnotizó a París

En el París de la Belle Époque, una ciudad de luces, cancán y absenta. Y de repente, en la penumbra de las primeras salas de cine, emerge una figura que lo cambiaría todo. Vestida con un leotardo de seda negro que se ceñía a su cuerpo como una segunda piel, con los ojos perfilados de carbón oscuro y una mirada que prometía tanto peligro como placer. No era una actriz, era un manifiesto. Era Musidora, la mujer que no interpretó a la primera 'vamp' del cine; ella la inventó, la esculpió y la convirtió en un ícono eterno.

Pero reducir a Musidora a la sombría Irma Vep de la serie 'Les Vampires' sería como decir que el Louvre solo tiene la Mona Lisa. Detrás de la femme fatale había una artista total: directora, productora, escritora, pintora y, finalmente, guardiana de la memoria del cine. Su historia es la de una pionera audaz que navegó un mundo de hombres, la de una musa que inspiró a la vanguardia surrealista y la de un enigma que, más de un siglo después, sigue fascinándonos. 

De Jeanne Roques a la 'Musidora' de Gautier


Antes de ser la encarnación del pecado en celuloide, fue Jeanne Roques, nacida en París en 1889. Hija de un compositor y una teórica feminista, Jeanne creció en un ambiente bohemio e intelectual que cultivó su espíritu libre y su pasión por todas las artes. Desde joven, escribió su primera novela a los quince años y demostró talento para el dibujo y la pintura. El escenario la llamó pronto, actuando en cabarets y teatros de poca monta, pero ella sabía que su destino era más grande. Fue en este período cuando adoptó su nombre artístico, 'Musidora', inspirado en la heroína de la novela 'Fortunio' de Théophile Gautier. El nombre significaba 'regalo de las musas', y no podría haber sido más profético.

Su encuentro con el prolífico director Louis Feuillade fue el catalizador que desataría su poder en la pantalla. Feuillade, un maestro del cine serial de crímenes y misterio, vio en ella algo más que una cara bonita; vio una presencia magnética, una inteligencia felina y una fotogenia que traspasaba la cámara. La contrató para la productora Gaumont y, aunque sus primeros papeles fueron modestos, el universo estaba a punto de conspirar para crear una leyenda.

El Nacimiento de un Arquetipo: Irma Vep y 'Les Vampires'


En 1915, mientras Europa se desangraba en la Primera Guerra Mundial, Feuillade estrenó 'Les Vampires', una serie de 10 episodios sobre una sociedad secreta de criminales que aterrorizaba París. El protagonista era un periodista, pero nadie lo recuerda. La verdadera estrella, la que robó cada escena, fue Musidora en el papel de Irma Vep (un anagrama perfecto de 'vampire'). Irma Vep no era una vampiresa sobrenatural, sino algo mucho más inquietante: una ladrona, una asesina y una maestra del disfraz que se movía por los tejados de París con una agilidad casi inhumana.

El impacto fue sísmico. Su vestimenta, el icónico leotardo negro, fue una creación de la propia Musidora. Era práctico para las escenas de acción, pero visualmente era una bomba de modernidad y erotismo. Representaba la libertad de movimiento, una ruptura con los corsés victorianos y una silueta andrógina y poderosa que desafiaba las convenciones de la feminidad de la época. Irma Vep era inteligente, independiente y letal. El público, especialmente los soldados en las trincheras, se obsesionó con ella. Musidora se convirtió en la primera 'femme fatale' global, el arquetipo de la 'vamp' que luego sería replicado por actrices como Theda Bara en Hollywood y que sigue vigente hasta nuestros días.

Más Allá de la Sombra: Directora, Productora, Creadora


Musidora no era una marioneta en manos de un director. Era una fuerza creativa con una visión propia. Tras el éxito de 'Les Vampires' y 'Judex' (otra colaboración con Feuillade), aprovechó su fama y su poder para tomar las riendas de su carrera. En 1919 fundó su propia productora, 'Les Films Musidora', convirtiéndose en una de las primeras mujeres en la historia del cine en dirigir, producir, escribir y protagonizar sus propias películas. Una hazaña monumental en una industria abrumadoramente masculina.

Su fascinación por España la llevó a adaptar dos obras de la escritora francesa Colette: 'La vagabunda' y 'La usurpadora'. Para estos proyectos, Musidora se trasladó a España, filmando 'Sol y Sombra' y 'La Tierra de los Toros'. En estas películas, exploró temas de independencia femenina y se sumergió en la cultura andaluza, colaborando con el torero Antonio Cañero. Estas obras, aunque menos conocidas que sus seriales con Feuillade, demuestran su ambición artística y su deseo de contar historias desde una perspectiva femenina, lejos del cliché de la 'vamp' que la había hecho famosa.

El Ícono Involuntario del Surrealismo

Mientras Musidora construía su carrera, un grupo de jóvenes artistas y poetas rebeldes la observaba con devoción. André Breton, Louis Aragon y el resto del grupo surrealista vieron en ella mucho más que una actriz popular. Para ellos, Irma Vep no era solo un personaje; era la encarnación del 'amour fou' (el amor loco), un espíritu libre que operaba fuera de las leyes de la burguesía y la lógica. Era la mujer moderna, misteriosa, peligrosa y liberada, un sueño febril caminando por los tejados de la realidad.

Breton y Aragon le dedicaron el texto 'Le Trésor des Jésuites', donde la elogiaban como 'la décima musa'. Su imagen aparecía en sus obras y se convirtió en un faro para el movimiento. Es fascinante pensar que, mientras Musidora se esforzaba por ser reconocida como una cineasta seria, se convertía, sin buscarlo, en la musa de la vanguardia más radical de su tiempo. Ella representaba el poder subversivo de la imaginación y el deseo, principios fundamentales del surrealismo.

El Silencio y la Memoria: Sus Últimos Años

La llegada del cine sonoro marcó el declive de su carrera como actriz. Su estilo interpretativo, basado en el gesto y la mirada, pertenecía al mundo del silencio. Lejos de lamentarse, Musidora se reinventó una vez más. Se dedicó al teatro, escribió obras y novelas, y, en un acto de profunda conexión con su arte, dedicó sus últimos años a la preservación de la historia del cine. A partir de 1944, trabajó codo con codo con Henri Langlois en la prestigiosa Cinémathèque Française. La mujer que había sido uno de los primeros grandes íconos del cine se convirtió en una de sus más devotas archivistas, ayudando a salvar del olvido las películas que la habían visto nacer como estrella.

Musidora falleció en 1957, dejando un legado incalculable. Fue la plantilla sobre la que se construirían incontables femmes fatales, desde las divas del cine negro hasta las antiheroínas modernas. Fue una pionera que demostró que una mujer podía ser la dueña de su propia imagen y de su destino creativo. Y fue, por encima de todo, un espíritu indomable que entendió el poder del misterio. En un mundo que exige explicarlo todo, Musidora nos recuerda que la verdadera fascinación reside en las sombras, en lo que no se dice, en la promesa de un secreto que se esconde detrás de una mirada oscura.

6 de julio de 2023

Reseña #6

Michael (1924)
dir. Carl Theodor Dreyer

¡Prepárate para un torbellino cinematográfico como ningún otro! Michael (1924) es un drama silente que teje un cuento de amor prohibido de la manera más cautivadora. Prepárate para ser arrastrado a una época en la que las convenciones sociales constreñían los verdaderos deseos y los secretos bullían bajo la superficie.

Con "Michael", nos encontraremos enredados en una red de pasión, engaño y traición entre el brillante pintor y su joven modelo masculino. Pero las cosas se complicarán aún más cuando una condesa en bancarrota entre en escena, poniendo todo patas arriba.

Prepárate para una montaña rusa de emociones mientras el amor y la obsesión chocan, dejando ningún corazón indemne.

Así que toma tus palomitas de maíz y prepárate para una aventura cinematográfica inolvidable. "Michael" te llevará en un viaje fascinante a través de las profundidades del amor y el poder inquebrantable del arte.

¿Que dice el Team Cine Mudo?


CRISTIAN: Una historia transversal en cuanto a las emociones, pero icónica para la representación de la homosexualidad en el cine. Una representación seria, realista y sutil. Dreyer con todo su expertise nos entrega una exuberante propuesta fílmica, llena de arte, amor y sentimientos donde se manifiestan relaciones del mismo sexo, las de distintas edades, relaciones tóxicas y por conveniencia. Aprovechando el contexto artístico de la obra original, el film hace homenaje a la intensidad del artista y sus inspiraciones, dejando entrever, que para crear ese arte maravilloso, también se debe sufrir por el mismo. Se destaca el fino y revelador juego de miradas entre sus protagonistas. ⭐⭐⭐⭐

FERNANDO: Dreyer nos hace, excusándose en el mundo del arte, una radiografía de una relación homoerótica entre un maestro y su alumno. Con delicadeza y sutileza, Dreyer nos va mostrando cómo va afectando ese amor no correspondido y la ceguera que esto le provoca. ⭐⭐⭐ ½

JESUS:  Obra sobre el amor, la impaciencia del corazon y la ingratitud. Impera la idea de que para crear algo bello debe motivar, excitar, inspirar al autor y, ¿qué hay más bello que el amor?. El juego entre la excelencia del maestro cuando mira a Michael y la maestría de Michael cuando mira a la princesa encierran, a mi parecer, algo más allá de la relación paterno-filial que explicíta Dreyer y que deviene, en la elección amorosa de Michael por la princesa, en un crepúsculo trágico del maestro Zoret. ⭐⭐⭐ ½

VEREDICTO


4 de julio de 2023

Revisión Catálogo Blu-ray: Divisa Home Video #1

 


En general las películas de cine mudo editadas en bluray, rara vez traen idioma español, pues el gran mercado de la distribución y consumidor de estos films es angloparlante, pero por suerte existe Divisa Home Video en España, la cual tiene como parte de su catálogo películas mudas para el deleite de los cinéfilos y coleccionistas. 

Por ser una distribuidora europea, la mayoría de su catálogo sólo es compatible con la zona B de reproducción, por lo que en Latinoamérica (que es zona A), no se podrán reproducir en los reproductores comunes,  a menos que se importe un reproductor multizona.

A diferencia del resto de las disfribuidoras, el catálogo de Divisa cuenta con subtítulos en español de base, por lo que para es un triunfo para quienes no pueden leer el ingles de las demás empresas productoras. 

Aquí algunas de sus películas disponibles:



Título: Intolerance
Director: D. W. Griffith
Año: 1916
Duración: 169 minutos
EAN: 8421394409163
País: USA
Intertítulos: Inglés
Subtítulos: Español, Portugués
ZONA: B





Título:
 Spies
Director: Fritz Lang
Año: 1922
Duración: 144 minutos
EAN: 8421394410299
País: Alemania
Intertítulos: Alemán
Subtítulos: Español, Portugués
ZONA: B


Título:
 Old and New
Director:  Grigoriy Aleksandrov & Sergei Eisenstein
Año: 1929
Duración: 120 minutos
EAN: 8421394401501
País: Rusia
Intertítulos: Ruso
Subtítulos: Español, Portugués
ZONA: B








Título: 
Faust
Director: F. W. Murnau
Año: 1926
Duración: 107 minutos
EAN: 8421394413757
País: Alemania
Intertítulos: Alemán
Subtítulos: Español
ZONA: B









Título:
 Nanook of the North
Director:  Robert J. Flaherty
Año: 1922
Duración: 79 minutos
EAN: 8421394401389
País: USA 
Intertítulos: Inglés
Subtítulos: Español, Portugués
ZONA: Region Free







** Para conocer mas catálogo disponible de otras compañías y los próximos lanzamientos consulta nuestra sección del menú en Blu-rays.

2 de julio de 2023

F.W. Murnau #3: Un Exótico Sueño Truncado

 Parte 1 / Parte 2 / Parte 3


Hay pocos nombres que brillen tan intensamente en el universo cinematográfico, como el de F.W. Murnau. Su narrativa visionaria, técnicas innovadoras y habilidad sin igual para capturar la esencia de la experiencia humana siguen resonando con las audiencias incluso en la actualidad. Pero, ¿qué yace bajo la enigmática fachada de este legendario cineasta? Permítanos embarcarnos en un viaje fascinante a través de la vida y obra de un artista que alteró para siempre el panorama del cine. 

Un Exótico Sueño Truncado


Rochus Gliese, Friedrich Wilhelm Murnau, Carl Mayer, Julius Aussenberg, Junio 1926.

Murnau cruzó el Atlántico por segunda vez en junio de 1926, dispuesto a embarcarse en su última empresa en la tierra de los sueños: Hollywood. ¿Su destino? Los prestigiosos estudios de cine Fox. Con un contrato que exigía que solo Carl Mayer escribiera el guion de su nuevo proyecto, Murnau estaba decidido a dejar su huella en la industria cinematográfica estadounidense.

La obra maestra que surgió de esta colaboración fue "Amanecer: Canción de dos seres" (1927), un relato de seducción, redención y las complejidades del amor. Murnau tejió una narrativa alrededor de un hombre que se ve cautivado por una femme fatale de la bulliciosa ciudad, pero que finalmente regresa a su devota esposa. La profunda exploración de las emociones humanas en la película conmovió al público, obteniendo elogios de la crítica y tres codiciados premios Óscar.

Sunrise (1927)

Después de completar "Amanecer", Murnau se retiró a Berlín, saboreando el éxito y el reconocimiento que había acompañado su debut en América. Pero su espíritu creativo permaneció inquieto y, en diciembre del mismo año, se sumergió de lleno en los preparativos de su próximo proyecto ambicioso bajo el sello de Fox: "4 Diablos" (1928). Esta joya cinematográfica se desarrollaba en el fascinante mundo de los artistas circenses, prometiendo cautivar al público con su singular mezcla de drama y espectáculo.

Si bien "Amanecer" había recibido elogios de la crítica, su desempeño en taquilla dejó a Murnau en una encrucijada. Obligado a hacer concesiones para "4 Diablos", se encontró luchando con cambios en el final de la película, una decisión influenciada por una encuesta realizada por los estudios Fox. Desafortunadamente, el destino tenía otros planes y "4 Diablos" se ha perdido en los anales del tiempo, dejándonos preguntándonos acerca del genio no contado que yace en sus fotogramas.

4 Devils (1928)

La brecha entre Murnau y los estudios Fox se profundizó durante la producción de "City Girl" (1930). Esta vez, el cambiante panorama del cine dictaba que ciertas escenas fueran regrabadas como una película sonora, una consecuencia inevitable de la transición al sonido. Fue durante este período turbulento que Murnau se cruzó con Robert J. Flaherty, un renombrado documentalista. Una desilusión compartida con las condiciones de trabajo asfixiantes de Hollywood encendió una chispa entre los dos artistas visionarios.

En un momento de serendipia, Murnau y Flaherty idearon un plan audaz: aventurarse en los encantadores paisajes del Pacífico Sur y crear una película que encapsulara su visión artística. Y así nació "Tabú". Con una ambición desbordante y una sed de autenticidad, el dúo se dispuso a capturar la esencia de la belleza inexplorada y tejer un relato que trascendiera las barreras culturales.

Robert J. Flaherty y Murnau.

Embarcándose en una odisea cinematográfica ambiciosa, F.W. Murnau y Robert J. Flaherty se hicieron a la mar en aguas inexploradas con su gran proyecto ambientado en las encantadoras Islas del Sur. El dúo, alimentado por una creatividad ilimitada, fundó Flaherty-Murnau Productions, listo para cautivar al público con su visión.

Su guion inicial, adecuadamente titulado "Turia", sentó las bases prometedoras para su atrevida aventura. Para dar vida a su visión, Murnau hizo un movimiento extraordinario: compró un goleta de dos mástiles y obtuvo una licencia de capitán. Con su majestuoso yate, cariñosamente llamado "Bali", se embarcó en un viaje inolvidable, partiendo desde Los Ángeles hacia el paraíso tropical de Tahití. Flaherty, atraído por el encanto del proyecto, se unió a Murnau poco después, listo para conquistar territorio desconocido.

Rodando en Tahiti para la película Tabu (1931)

Sin embargo, como suele suceder, el curso de su narrativa tomó un giro inesperado. El proyecto sufrió un contratiempo imprevisto cuando la compañía financiera Colorart se declaró en bancarrota. La adversidad acechaba y el guion sufrió una transformación dramática. El relato de la explotación tahitiana a manos de pescadores chinos de perlas se convirtió en una narrativa que exploraba los delicados hilos del amor y el peso de los tabúes sociales.

Mientras Murnau y Flaherty impulsaban el proyecto, sus visiones artísticas comenzaron a divergir. Las turbulentas aguas de las diferencias creativas llevaron a Flaherty a abandonar la empresa, dejando a Murnau navegando en aguas traicioneras. Sin dejarse intimidar por la desalentadora perspectiva de financiar la película de manera independiente, Murnau se comprometió a llevar su sueño a buen puerto, enfrentando la incertidumbre financiera y avanzando con una determinación inquebrantable.

Murnau con residentes de la isla de Tahiti.

A pesar de las tensiones económicas que agobiaban a Murnau, la finalización del rodaje marcó un hito significativo. Paramount, reconociendo la genialidad tejida en la trama del proyecto, adquirió ansiosamente los derechos de la película, ofreciendo a Murnau un tentador contrato de diez años. Un destello de esperanza surgió cuando el arduo viaje de Murnau parecía culminar en un triunfo. Se hizo a la mar de regreso a Los Ángeles, preparándose para negociar y deleitarse en la gloria de su inminente estreno.

Trágicamente, el destino tenía otros planes. El intrincado tapiz de la vida de Murnau se rompió abruptamente justo cuando sus sueños alcanzaban su cenit. Un giro fatal de los acontecimientos, una cruel vuelta del destino. El viaje de Murnau a Europa y el esperado estreno de "TABU" en el Central Park Theater de Nueva York nunca se llevarían a cabo. En ese fatídico día, el 11 de marzo de 1931, un implacable y devastador accidente automovilístico silenció para siempre la voz del visionario cineasta, a los 42 años de edad.

Tras se velado en Hollywood y trasladado sus restos a Alemania para su entierro, los dolientes se reunieron para despedir al extraordinario talento que fue Friedrich Wilhelm Murnau. Mientras era sepultado el 13 de abril de 1931, en el sereno abrazo del Cementerio Waldfriedhof Stahnsdorf de Berlín, una sensación de profunda pérdida envolvió al mundo cinematográfico. Entre aquellos que rendían sus respetos estaban los estimados colegas de Murnau: Emil Jannings, Robert Herlth y Walter Röhrig; Erich Pommer, Rochus Gliese y Robert J. Flaherty; y Carl Mayer, cada uno llevando consigo un pedazo del legado de Murnau en lo más profundo de sus corazones. En un conmovedor homenaje, el aclamado director Fritz Lang se adelantó, pronunciando un elogio que resonaba con el profundo impacto que Murnau había dejado atrás.

Emil janings en el funeral de Murnau en Alemania.

Al reflexionar sobre la extraordinaria vida de F.W. Murnau, se nos recuerda que el verdadero genio no conoce límites. Su espíritu indomable, inmortalizado para siempre a través de sus innovadoras películas, continúa inspirando y cautivando a audiencias de todo el mundo. Celebremos por siempre el enigmático viaje de este cineasta extraordinario, cuya pasión iluminó las sombras y transformó para siempre el mundo del cine.





1 de julio de 2023

¿QUÉ VEMOS HOY? #9

Intolerance (1916)
dir. D.W. Griffith


Adéntrate en un torbellino de relatos épicos y destinos entrelazados con Intolerance (1916).

Esta revolucionaria película muda dirigida por D.W. Griffith es una montaña rusa cinematográfica que te dejará indiferente.

Prepárate para una emocionante exploración del amor, la traición y la resistencia humana a lo largo de cuatro diferentes eras históricas. Desde la antigua Babilonia, la Francia renacentista y hasta el contemporáneo Estados Unidos de hace mas de un siglo.

Este espectáculo de proporciones gigantescas teje juntas historias de pasión, conflicto y redención.

Prepárate para escenarios impactantes que te dejarán boquiabierto, imágenes cautivadoras y una narrativa que te mantendrá en vilo hasta el final.

¡Experimenta el poder de "Intolerancia" y prepárate para un viaje cinematográfico inolvidable a través de los tiempos!


Para mas información de las películas disponibles, consulta el menú del blog en Ver Películas.

29 de junio de 2023

Reseña #5

Mother (1926)
dir. Vsevolod Pudovkin



Adéntrate en el fascinante mundo hipnótico de Mother (1926), del visionario director soviético Pudovkin.

En esta cautivadora experiencia cinematográfica, la pantalla cobra vida con el turbulento relato de un hijo y su madre, divididos entre lealtad y rebeldía.

Ambientada en el trasfondo de la Revolución Rusa, la película sigue el apasionante viaje de un joven atrapado en el torbellino de la agitación política, el amor y el sacrificio.

A través de una cinematografía exquisita y actuaciones evocadoras, Pudovkin teje un cautivador tapiz de emociones que te dejará sin aliento.

"Mother" es un viaje inmersivo al espíritu humano, donde los lazos familiares se enfrentan al fuego de la revolución, convirtiéndola en una experiencia inolvidable que perdura mucho después del último fotograma.

¿Que dice el Team Cine Mudo?


CRISTIAN: Como de costumbre el cine soviético, de la mano de Pudovkin, nos entrega una intensa y muy propagandística historia de opresión y revuelta. En Mother, las banderas de lucha de la revolución están presentes, siempre defendiendo la vida de esfuerzo y poco agradecida de sus trabajadores frente a la maquinaria imperial. El amor incondicional entre madre protectora (y agredida) e hijo trabajador revolucionario conmueve desde todos los ángulos, pues es el clásico reflejo del cobijo materno (como la madre Rusia), que debe anteponerse ante todas las adversidades e injusticias de una sociedad zarista inoperante y corrupta. Claros simbolismos que enaltecen la ideología y promueve el panfleto. Con grandes manejos técnicos y cinematográficos, Pudovkin no sólo maravilla con su manejo en cámara, sino que, de manera efectista, encanta en su cometido de invitarte a marchar por tus camaradas. ⭐⭐⭐⭐

FERNANDO: Pudovkin adapta la obra de Gorki donde muestra las miserias de la clase obrera en la época final del zarismo. El personaje principal es la propia madre que sufre un marido maltratador y borracho, así como la soledad sin ningún apoyo y sustento. La película es dura y cruel! sin atisbo de piedad aunque nunca llegando a mi límite de porno emocional. Falla al final donde deja más claro su mensaje propagandístico pro revolución proletaria bastante cantoso. ⭐⭐⭐

MARIA:  Mother, se sitúa en los tiempos previos y durante la revolución bolchevique para mostrarnos las condiciones de vida de los obreros de la época, todo desde el punto de vista de la madre de uno de ellos. Pudovkin enfoca la película desde el realismo, dejando de lado, aparentemente, la propaganda, aunque su final hace que la historia al completo cobre un nuevo sentido.⭐⭐⭐

VEREDICTO



27 de junio de 2023

Boletín Bluray Junio 2023

Próximos Lanzamientos en Blu-Ray



Título: Foolish Wives
Director: Erich Von Stroheim
Lanzamiento: 27/06/2023
Año: 1922
Duración: 147 minutos
UPC: 617311688294
País: USA
Idioma: inglés (intertítulos)
ZONA: Region Free




Título: Sky High / The Big Diamond Robber
Director: Lynn Reynolds / Eugene Forde
Lanzamiento: 11/07/2023
Año: 1922 / 1929
Duración: 58 / 65 minutos
UPC: -----
País: USA
Idioma: inglés (intertítulos)
ZONA: Region Free




Título: Michael
Director: Carl Theodor Dreyer
Lanzamiento: 18/07/2023
Año: 1924
Duración: 94 minutos
UPC: 738329263294
País: Alemania
Idioma: alemán (intertítulos)
             inglés (subtítulos)
ZONA: A



Título: Robin Hood / The Black Pirate
Director:  Allan Dwan / Albert Parker
Lanzamiento: 25/07/2023
Año: 1922 / 1926
Duración: 133 / 95 minutos
UPC: 738329263324
País: USA
Idioma: inglés (intertítulos)
ZONA: A


25 de junio de 2023

F.W. Murnau #2: El Camino a la Grandeza

 Parte 1 / Parte 2 / Parte 3

Hay pocos nombres que brillen tan intensamente en el universo cinematográfico, como el de F.W. Murnau. Su narrativa visionaria, técnicas innovadoras y habilidad sin igual para capturar la esencia de la experiencia humana siguen resonando con las audiencias incluso en la actualidad. Pero, ¿qué yace bajo la enigmática fachada de este legendario cineasta? Permítanos embarcarnos en un viaje fascinante a través de la vida y obra de un artista que alteró para siempre el panorama del cine. 


El Camino a la Grandeza

A su regreso a Berlín en 1919, Friedrich Wilhelm Murnau emprendió un nuevo capítulo en su carrera como director de cine. Colaborando con Ernst Hofmann, su antiguo colega del Deutsche Theater, el debut directorial de Murnau se hizo realidad con "Der Knabe in Blau" (El niño en azul) en el mismo año. Inspirado en la pintura rococó del mismo nombre, creada por el pintor inglés Thomas Gainsborough, y la obra literaria de Oscar Wilde, El Retrato de Dorian Gray, la película teje una historia de un noble empobrecido atrapado por la maldición de un cuadro, donde cree ver reflejada su imagen en un retrato ancestral.

Para finales de 1921, Murnau ya había dirigido diez largometrajes, de los cuales cinco mostraban el talento de Conrad Veidt, un actor con quien Murnau compartía una amistad de larga data desde sus días en los teatros Reinhardt. Obras como "Satanas" (1919-20), "Der Januskopf" (La burla del amor) y "Abend - Nacht - Morgen" (Noche - Tarde - Mañana), todas bajo la dirección de Murnau, consolidaron aún más la reputación de Veidt como un hábil intérprete de personajes diabólicos y demoníacos.

La posguerra de la Primera Guerra Mundial presenció un florecimiento de la industria cinematográfica, a medida que se levantaban las restricciones de censura y la población buscaba evasión y entretenimiento. Las películas de aventuras y crimen eran particularmente populares entre el público de la época, y las primeras obras de Murnau abrazaron estas tendencias, a menudo con escenarios exóticos y narrativas de crimen fascinantes. Desafortunadamente, solo tres de las películas de Murnau de los años 1919 a 1921 han sobrevivido hasta nuestros días, dejando siete relegadas a los anales del cine perdido.

Murnau emprendió un viaje colaborativo con la renombrada guionista Thea von Harbou en 1921. Su primera empresa conjunta, "Der Brennende Acker" (La tierra en llamas) en 1921/22, retrató las vidas contrastantes de un campesino tradicional y un aristócrata mundano, explorando las ambiciones que los impulsan. El siguiente proyecto de la pareja, "Phantom" en 1922, indagó en el tema del amor no correspondido, girando en torno a un funcionario municipal atrapado en las garras de la desilusión amorosa. Esta narrativa dramática se desarrolló en el trasfondo del choque entre los mundos burgués y proletario, hábilmente adaptada por von Harbou misma de la novela homónima de Gerhart Hauptmann.

Sombras utilizadas para la películas Phantom (1922)

En marzo de 1922, la obra maestra de Murnau, "Nosferatu", hizo su gran debut en Berlín. Esta icónica película de vampiros sigue ejerciendo su influencia en el cine de género en todo el mundo hasta el día de hoy. La atmósfera inquietante y siniestra que impregna la película fue meticulosamente creada gracias a los esfuerzos colaborativos de Murnau, su guionista Henrik Galeen y el talentoso diseñador de vestuario y director de arte, Albin Grau. Grau, quien también incursionó en el diseño de escenografía, la pintura y el espiritismo, estableció su compañía de producción, Prana Film, para dar vida a esta obra maestra terrorífica y eterna.

Nosferatu era una adaptación libre de Drácula, la obra de terror victoriana escrita por Bram Stoker. A pesar del rotundo éxito, la viuda de Bram Stoker, Florence Balcombe, fue notificada de la existencia de este film, por lo que prontamente demandó a la compañía Prana por infringir los derechos de autor vigentes para la obra de su difunto marido. Blacombe ganó el juicio, consioguiendo la destrución absoluta de todas las copias del film distribuidas en Alemania. Sin embargo, sabemos  que muchas copias sobrevivieron hasta hoy, agrandando el mito del vampito y de Murnau.

Max Shreck en el set de Nosferatu (1922)

Tras estos primeros éxitos, Murnau dirigió "Die Austreibung" (La expulsión) en 1923, una cautivadora historia sobre las luchas de los campesinos, y "Die Finanzen des Grossherzogs" (Las finanzas del Gran Duque) en 1923/24, una comedia ligera. Sin embargo, fue el inicio del rodaje de "Der Letzte Mann" (El último hombre) en mayo de 1924 lo que llevó a Murnau al centro de atención internacional, marcando un punto de inflexión en su carrera. Escrito por Carl Mayer, uno de los guionistas de habla alemana más influyentes de la época, esta película cuenta la historia de un portero de hotel degradado obligado a convertirse en un asistente de lavabos.

Murnau y Karl Freund en el set de The Last Laugh (1924)

Para "Der Letzte Mann", Murnau reunió a un equipo excepcional, incluyendo al director de fotografía Karl Freund y a los diseñadores de producción Robert Herlth y Walter Röhrig. El papel principal fue interpretado magistralmente por Emil Jannings. La película fue producida por Erich Pommer, quien había sido un firme apoyo de Murnau desde su colaboración en "Schloss Vogelöd" (El castillo encantado) en 1921.

La producción de "Der Letzte Mann" mostró la pasión desenfrenada de Murnau por la experimentación, con técnicas innovadoras como el uso de una cámara en movimiento, creando un tapiz visual que cautivó a la audiencia. Además, en este película creó una narrativa casi 100% visual, con ausencia de intertítulos, elemento característico del cine mudo, pero que hábilmente no utilizó para basar todo el poder interpretativo en un eficiente y desatado Jannings. Incluso antes de su estreno mundial en Berlín, la película obtuvo elogios de la crítica cuando se proyectó a la prensa en Nueva York a principios de diciembre de 1924, estableciendo la reputación internacional de Murnau.

Emil Jannings en The Last Laugh (1924)

El productor de Ufa, Erich Pommer, y su talentoso equipo se reunieron con Murnau para su último proyecto, la fascinante película "TARTÜFFE" (Tartufo, el hipócrita) en 1925. La obra maestra cómica de Molière sufrió una magnífica transformación, convirtiéndose en una "película dentro de una película". Una peculiar ama de llaves de un anciano trama estafar a su nieto de su herencia legítima. Para desenmascarar su engaño, el nieto se disfraza como un artista ambulante, fascinando a su abuelo con una película que muestra el manipulativo y perverso carácter del señor Tartufo. Para preparar el escenario de esta notable película, Ufa desplegó todos sus recursos, lanzándola con un gran estreno en el ilustre Gloria Palast de Berlín, un verdadero evento social que dejó a la audiencia expectante.

Faust (1926)

Pero el viaje creativo de Murnau no se detuvo ahí. Su siguiente proyecto, "FAUST" (1925/26), fue el ambicioso intento de Ufa de cautivar el mercado cinematográfico internacional. A pesar de las limitaciones financieras de la compañía, destinaron una asombrosa suma de dos millones de marcos para esta prestigiosa producción. Después de todo, el inmortal cuento de Goethe sobre "Fausto" se consideraba una garantía segura para el éxito del sofisticado cine alemán. Una vez más, liderando el camino estaba el incomparable Emil Jannings, una estrella experimentada de Hollywood que agregó su innegable encanto a la mezcla. Con la dirección visionaria de Murnau, la película se convirtió en un espectáculo visual, utilizando ingeniosas técnicas de cámara y efectos especiales que transportaban al público a un mundo de magia y asombro.

Poco sabía Ufa que "FAUST" sería la crónica de una muerte anunciada de Murnau para el estudio alemán. Después de un viaje innovador a Estados Unidos a principios de 1925, Murnau firmó un contrato con nada menos que el productor cinematográfico William Fox. Para cuando llegó el gran estreno de "FAUST" en Berlín en octubre de 1926, Murnau ya había puesto un pie en Hollywood, listo para embarcarse en un nuevo capítulo de su ilustre carrera. Sin embargo, su amor por Berlín permaneció intacto y regresó en el verano de 1927, con la esperanza de una nueva colaboración con Ufa. Pero el destino tenía otros planes y el proyecto no se materializó, dejando a Murnau con plena libertad de consciencia para continuar explorando y disfrutar de los nuevos logros que ya estaba cosechando en el deslumbrante mundo del cine estadounidense.

Murnau se fue de Alemania ya como una estrella, pero el real destape lo esperaría al otro lado del atlántica. Esto y mas te lo contaremos el próximo domingo en la parte 3 de esta serie homenaje a Murnau.