Reseña #6

Michael (1924)

dir. Carl Theodor Dreyer

¡Prepárate para un torbellino cinematográfico como ningún otro! Michael (1924) es un drama silente que teje un cuento de amor prohibido de la manera más cautivadora. Prepárate para ser arrastrado a una época en la que las convenciones sociales constreñían los verdaderos deseos y los secretos bullían bajo la superficie.

Con "Michael", nos encontraremos enredados en una red de pasión, engaño y traición entre el brillante pintor y su joven modelo masculino. Pero las cosas se complicarán aún más cuando una condesa en bancarrota entre en escena, poniendo todo patas arriba.

Prepárate para una montaña rusa de emociones mientras el amor y la obsesión chocan, dejando ningún corazón indemne.

Así que toma tus palomitas de maíz y prepárate para una aventura cinematográfica inolvidable. "Michael" te llevará en un viaje fascinante a través de las profundidades del amor y el poder inquebrantable del arte.

¿Que dice el Team Cine Mudo?

CRISTIAN: Una historia transversal en cuanto a las emociones, pero icónica para la representación de la homosexualidad en el cine. Una representación seria, realista y sutil. Dreyer con todo su expertise nos entrega una exuberante propuesta fílmica, llena de arte, amor y sentimientos donde se manifiestan relaciones del mismo sexo, las de distintas edades, relaciones tóxicas y por conveniencia. Aprovechando el contexto artístico de la obra original, el film hace homenaje a la intensidad del artista y sus inspiraciones, dejando entrever, que para crear ese arte maravilloso, también se debe sufrir por el mismo. Se destaca el fino y revelador juego de miradas entre sus protagonistas. ⭐⭐⭐⭐

FERNANDO: Dreyer nos hace, excusándose en el mundo del arte, una radiografía de una relación homoerótica entre un maestro y su alumno. Con delicadeza y sutileza, Dreyer nos va mostrando cómo va afectando ese amor no correspondido y la ceguera que esto le provoca. ⭐⭐⭐⭐ ½

JESUS:  Obra sobre el amor, la impaciencia del corazon y la ingratitud. Impera la idea de que para crear algo bello debe motivar, excitar, inspirar al autor y, ¿qué hay más bello que el amor?. El juego entre la excelencia del maestro cuando mira a Michael y la maestría de Michael cuando mira a la princesa encierran, a mi parecer, algo más allá de la relación paterno-filial que explicíta Dreyer y que deviene, en la elección amorosa de Michael por la princesa, en un crepúsculo trágico del maestro Zoret. ⭐⭐⭐ ½

VEREDICTO

Reseña #5

Mother (1926)

dir. Vsevolod Pudovkin

Adéntrate en el fascinante mundo hipnótico de Mother (1926), del visionario director soviético Pudovkin.

En esta cautivadora experiencia cinematográfica, la pantalla cobra vida con el turbulento relato de un hijo y su madre, divididos entre lealtad y rebeldía.

Ambientada en el trasfondo de la Revolución Rusa, la película sigue el apasionante viaje de un joven atrapado en el torbellino de la agitación política, el amor y el sacrificio.

A través de una cinematografía exquisita y actuaciones evocadoras, Pudovkin teje un cautivador tapiz de emociones que te dejará sin aliento.

"Mother" es un viaje inmersivo al espíritu humano, donde los lazos familiares se enfrentan al fuego de la revolución, convirtiéndola en una experiencia inolvidable que perdura mucho después del último fotograma.

¿Que dice el Team Cine Mudo?

CRISTIAN: Como de costumbre el cine soviético, de la mano de Pudovkin, nos entrega una intensa y muy propagandística historia de opresión y revuelta. En Mother, las banderas de lucha de la revolución están presentes, siempre defendiendo la vida de esfuerzo y poco agradecida de sus trabajadores frente a la maquinaria imperial. El amor incondicional entre madre protectora (y agredida) e hijo trabajador revolucionario conmueve desde todos los ángulos, pues es el clásico reflejo del cobijo materno (como la madre Rusia), que debe anteponerse ante todas las adversidades e injusticias de una sociedad zarista inoperante y corrupta. Claros simbolismos que enaltecen la ideología y promueve el panfleto. Con grandes manejos técnicos y cinematográficos, Pudovkin no sólo maravilla con su manejo en cámara, sino que, de manera efectista, encanta en su cometido de invitarte a marchar por tus camaradas. ⭐⭐⭐⭐

FERNANDO: Pudovkin adapta la obra de Gorki donde muestra las miserias de la clase obrera en la época final del zarismo. El personaje principal es la propia madre que sufre un marido maltratador y borracho, así como la soledad sin ningún apoyo y sustento. La película es dura y cruel! sin atisbo de piedad aunque nunca llegando a mi límite de porno emocional. Falla al final donde deja más claro su mensaje propagandístico pro revolución proletaria bastante cantoso. ⭐⭐⭐⭐

MARIA:  Mother, se sitúa en los tiempos previos y durante la revolución bolchevique para mostrarnos las condiciones de vida de los obreros de la época, todo desde el punto de vista de la madre de uno de ellos. Pudovkin enfoca la película desde el realismo, dejando de lado, aparentemente, la propaganda, aunque su final hace que la historia al completo cobre un nuevo sentido.⭐⭐⭐⭐

VEREDICTO

Reseña #4

The Iron Horse (1924)

dir. John Ford

Aférrense a sus sombreros de vaquero y prepárense para un apasionante viaje a través del Salvaje Oeste con The Iron Horse (1924).

Esta película es una épica de aventura, dirigida por John Ford, que reimagina la titánica labor de conectar las cosas de Estados Unidos, a través del tren transcontinental.

Prepárense para presenciar esta audaz hazaña de ingeniería mientras la gigantesca máquina de hierro avanza a través de vastos paisajes, conquistando los obstáculos de la naturaleza como un toro brioso.

Pero no todo se trata de las vías; esta película tiene un incluye una vibrante historia de amor, traición y venganza, agitando las emociones como un arbusto rodante atrapado en un torbellino.

¡Así que suban a bordo y prepárense para ser transportados a una época en la que los hombres llevaban Stetsons y el Oeste era verdaderamente salvaje!

¿Que dice el Team Cine Mudo?

AGU: The Iron Horse es una película gigante. Rodada en el 1924, contó con mas de mil extras, cientos de actores y un extenso grupo de operarios, convirtiéndola en la mayor superproducción de la época. Todo ello nos demuestra el grado de maduración y la  profesionalidad de un jovencísimo Ford aún en búsqueda de moldear un estilo propio dentro de la industria. La cinta acusa  cierta falta de ritmo y peca de repetirse en exceso en su segunda mitad. Sin embargo, no deja de ser una de esas cintas clave en el camino hacia la maduración artística y estilística del director. ⭐⭐⭐½

CRISTIAN: El lugar donde realmente vemos como el género western toma su forma y Ford comienza mostrar los elementos que veríamos mas adelante en varias de sus obras. Sin duda a lo largo de su extenso metraje hay algunas secuencias que podrían haberse evitado, el grueso de The Iron Horse permite conocer un pedacito de la compleja y ardua convivencia en aquellos años de mucho conflicto. Desde todo el proceso de construcción de las vías, la vida de cantina, el viaje del héroe, traiciones, amor y los encuentros con indios en grandes y vertiginosos tiroteos, la película no decae en su energía y procura hacerte participe de este sueño americano de unificar sus costas a través del tren. En el fondo, un homenaje al esfuerzo de los ciudadanos (y extranjeros) quen en su conjunto fueron motor del desarrollo por venir. ⭐⭐⭐⭐

FERNANDO: El protowestern de John Ford. Perfecto para los completistas del género y del autor presenciado. ⭐⭐⭐

MARIA:  The iron horse supone la génesis no sólo del estilo de Ford sino del mito del oeste; aquí se observan los inicios del género, todo lo que se explotaría más tarde. Ford comienza a dar muestras también del estilo que le haría famoso y, además, en esta ocasión cuenta con la destacada presencia George O'Brien, quizás más conocido por Sunrise de Murnau.⭐⭐⭐½

VEREDICTO

Reseña #3

Tartuffe (1925)

F.W. Murnau

Tartuffe (1925) es una seminal adaptación cinematográfica muda de la clásica obra de teatro de Molière, dirigida por F.W. Murnau.

Ambientada en la Francia del siglo XVII, la película explora la naturaleza duplicitaria e hipócrita del fanatismo religioso a través del astuto personaje de Tartuffo.

La magistral dirección de Murnau y la impresionante composición visual capturan la esencia del material original, entregando una narrativa convincente llena de interpretaciones intrincadas y cinematografía elaborada.

"Tartuffe" sigue siendo un testimonio del genio directorial de Murnau y se erige como un logro cinematográfico perdurable que arroja luz sobre temas eternos, como el engaño, la manipulación y los peligros de la fe desenfrenada.

¿Que dice el Team Cine Mudo?

AMIR:  Murnau, nos trae una película donde la religión, la avaricia y el buen ver de un familiar convergen. Nunca te fíes de la persona que está cerca puede ser la manzana que pudre toda la bolsa.
⭐⭐⭐½

CRISTIAN: Una película simple, pero con variadas implicancias. Murnau logra en poco metraje contarnos, no una, sino dos historias sobre lo hipócrita y peligroso que pueden ser personas. Una crítica directa a la naturaleza humana y a sus corrupciones Desde un fanatismo religioso o por las carencias de la vida, los corazones humanos son tentados con la hipocresía y al engaño, especialmente frente a la posibilidad de riqueza “fácil”. Sin grandes producciones, como en otras de sus películas, pero con un buen juego de luces y sombras, Murnau no falla en proveernos de una cuota de juicio propio y hacernos cuestionar realmente quienes tenemos cerca de nosotros. ⭐⭐⭐⭐

FERNANDO: Murnau lleva a cabo una adaptación de uno de los grandes dramaturgos de la historia, Molière, y en este proceso juega con la idea de la repetición de la historia. Ambos relatos exploran el tema de oportunistas que buscan hacerse con la herencia de un adinerado. Además de esto, Murnau incorpora elementos autobiográficos e ingeniosas rupturas de la cuarta pared, que resultan ser de las más inesperadas y astutas que he presenciado. ⭐⭐⭐⭐

JESUS: Tartufo es una sátira tan eficiente como falta de brillantez dentro de su género. El uso de la luz y el encuadre, innegables hitos del cine de Murnau, son lo mejor de una película que funciona pero, en mi caso, no enamora. Crítica a la hipocresía y la manipulación con unos interesantes prólogos y epílogos donde el director enlaza el pasado y el presente para demostrar que los hipócritas son inmortales. ⭐⭐⭐ ½

MARIA:  En Tartufo encontramos al Murnau más teatral y, quizás, convencional. La sátira con toques casi da fábula se centra en contarnos los peligros de creer en aquellos que nos dicen lo que queremos oír. Emil Jannings es el centro de esta película dentro de otra película, con una interpretación que destaca por encima del resto. ⭐⭐⭐½

VEREDICTO

Reseña #2

Häxan (1922)

dir. Benjamin Christensen

Häxan (1922) es una película revolucionaria que se adentra en los oscuros reinos de la brujería y la superstición como nunca antes.

Dirigida por Benjamin Christensen, esta meticulosamente elaborada gran obra del cine mudo escandinavo, explora la historia de las cacerías de brujas, las creencias en la brujería y la histeria que envolvió a las sociedades a lo largo de los siglos.

Con su innovadora mezcla de narración estilo documental y recreaciones deslumbrantemente vívidas de juicios de brujas y representaciones inquietantes de lo sobrenatural, Häxan desafía las normas sociales y ofrece una exploración reflexiva sobre el miedo humano y el poder del mito.

Estrenada el mismo año que Nosferatu, Häxan es parte de la cuna del terror en el cine, una invitación diferente para adentrarnos en un mundo de sombras y secretos, donde la realidad y la fantasía se entrelazan.

¿Que dice el Team Cine Mudo?

CRISTIAN: Espeluznantemente satisfactoria, es quedarse corto con el sentir que te deja Häxan, un trabajo de joyería crítica, expuesto por Benjamin Christensen a la sociedad de hace un siglo, pero que repercute especialmente hoy a la nuestra. El formato del falso documental tiene a uno de sus primeros exponentes,  donde recrea pasajes históricos oscuros del acontecer humano y su relación con le mente,  las creencias, la religión y el mito. Un plato de fondo seguro para el próximo halloween. ⭐⭐⭐⭐

FERNANDO: Obra maestra que es capaz de enlazar géneros tan dispares como el documental ficcionado, el terror, la fantasía y el drama psicológico y social. ⭐⭐⭐⭐⭐

JESUS: Si la fuerza visual de Häxan es hoy en día muy potente, no se puede imaginar lo que supuso para la sociedad de principios de siglo XX exponerse a esta película. Excelente cuasi-documental donde el autor, además de exponer, reflexiona, cual ensayista, sobre las supersticiones, supercherías y creencias demoníacas en la Inquisición, en contraste con la sociedad contemporánea al autor. ⭐⭐⭐ ½

MARIA: Häxan es un estudio de la brujería a través de los tiempos llevado a cabo desde un punto de vista casi científico: Christensen analiza la historia de la brujería, sus causas, sus procedimientos y sus consecuencias; incluso llega a buscar las razones por las que se dio y las enlaza con la perspectiva de la época, todo ello sin juzgar a los implicados, entendiendo que es fruto de una época pasada de la que aún pervivían ciertos ecos en su presente. Pese a ser un documental, no pierde de vista los aspectos más narrativos o visuales, que encuentran su zenit en la recreación de las ceremonias de brujería. ⭐⭐⭐⭐⭐

PABLO: Christenssen es un tipo tan inteligente que decide meternos un caballo de Troya a través del cine de género, la brujería y el terror, para hablarnos realmente sobre la violencia machista estructural que las sociedades han ejercido contra las mujeres desde la antigüedad. Sin por ello renunciar al discurso esotérico y surrealista de los akelarres, de figuras demoníacas que transitan desde figuras antropomórficas hasta engrendos que entroncan con la tradición del horror literario más extremo, ni tampoco al juego de diversas técnicas cinematográficas como los fondos pintados, las sombras chinescas o complejos ángulos en los que colocar la cámara, lo que convierte a "Haxan" en una de las películas más modernas de su década. ⭐⭐⭐⭐ ½

VEREDICTO

Reseña #1

Sherlock Jr. (1924)

dir. Buster Keaton

Adéntrate en el mundo del misterio y la ilusión con Sherlock Jr. (1924), un clásico atemporal en el ámbito de la comedia de la era muda.

Dirigida por el legendario Buster Keaton, esta película te lleva en una encantadora aventura mientras un proyeccionista soñador se convierte en un torpe, que vive las más hilarantes desventuras mientras navega por una red de intriga, utilizando su ingenio y encanto para resolver un desconcertante crimen.

¿Que dice el Team Cine Mudo?

AGU: Sherlock Jr. es un festival de emociones. La película, en sus escasos 45 minutos de duración, condensa grandes cantidades de aventura, romance y comedia, las suficientes para demostrarnos lo importante que es emocionarse y reir a carcajadas junto a  una película. Sus alucinantes gags y su ritmo endemoniado la convierten, cien años después de su estreno, en una cinta tremendamente moderna. ⭐⭐⭐⭐⭐ 

CRISTIAN: Inventiva y extremadamente chistosa. Sherlock Jr. es sin duda un triunfo de la creatividad de Buster Keaton, no sólo por sus innumerables efectos prácticos, muy pulidos para la época, sino además por una interpretación magistral, entre sus expresiones y su comedia física. Una narrativa consistente en un mar de aparatosos gags, que solo te dejan pensando en como lo pudo hacer. El mejor remedio tras un día complicado. ⭐⭐⭐⭐

FERNANDO: Uno de los primeros antecedentes con éxito del cine de parodia de detectives. ⭐⭐⭐⭐

JESUS: En Sherlock Jr., Buster Keaton, ofrece una de las primeras muestras históricas del género "cine dentro del cine", utilizando recursos precursores del cine posterior, siendo así, una vez más, pionero del cine que vendrá. Además, y no es baladí, ofrece una exhibición de slapsticks brillantes en cada uno de los sketch de la película.⭐⭐⭐⭐⭐ 

MARIA: Sí, Sherlock jr. es una maravilla y no es sólo por la comedia; es, sobre todo, por la originalidad en las formas de Buster Keaton. Momentos como la parte del cine son muestra más que suficiente de aquello. ⭐⭐⭐⭐ ½

PABLO: Irónicamente, la película trata una reflexión sobre el cine como elemento de fantasía y entretenimiento del espectador. Una preciosa secuencia en la que el personal de Keaton se queda dormido mientras proyecta una película, desdoblando su "alma" y caminando hacia la pantalla, incrustándose en ella para transitar hacia ese otro mundo de la fantasía cinematográfica. Recursos que han influido notablemente a directores posteriores como Spielberg o el Woody Allen de esa joya que es "La Rosa Púrpura de El Cairo". Una película que servía de alegato hacia el cine como mecanismo de escapismo para olvidar nuestras penas diarias. Así, Allen, Spielberg y Keaton se pronuncian sobre ese snob debate sobre la naturaleza del cine. ⭐⭐⭐⭐⭐ 

VEREDICTO