¿QUÉ VEMOS HOY? #8

L'Inhumaine (1924)

dir. Marcel L'Herbier

¡Adéntrate en el inusual mundo de "L'Inhumaine"!

Esta película francesa de 1924 es un torbellino de asombrosa vanguardia que te dejará desconcertado de la mejor manera posible.

Una seductora diva de la ópera, un elegante arquitecto y un científico excéntrico. Todos ellos chocan en un cuento alucinante de amor, traición y desventuras futuristas.

Prepárate para que tus sentidos sean sacudidos por impactantes escenarios, inventiva cinematografía y peculiares personajes.

Con su mezcla de surrealismo, art déco y un toque de locura científica desenfrenada, "L'Inhumaine" es como un viaje en el tiempo a una fiesta alocada que nunca supiste que necesitabas.

¡Prepárate para quedar maravillosamente perplejo!

Curiosidades del Cine Mudo #3

Texto con intención:

El diseño lúdico de los intertítulos

En el cautivador mundo del cine mudo, donde el diálogo quedaba sin decir y las cámaras eran accionadas a mano, los intertítulos ocupaban el escenario con su propio estilo único, transmitiendo diálogos, descripciones de escenas e información narrativa al público.

Cada una de estas tarjetas de título era una pequeña obra de arte, meticulosamente escrita a mano o cuidadosamente compuesta para capturar la esencia de las escenas de la película.

Desde elegante caligrafía hasta tipografía audaz, los intertítulos eran en sí mismos una forma de arte. Algunos eran simples y directos, mientras que otros adoptaban diseños elaborados que reflejaban el estado de ánimo o el tema de la película, además de tener la facultad de añadir un toque de humor, cuando necesario.

Los cineastas a menudo utilizaban bordes decorativos, ilustraciones intrincadas e incluso animaciones lúdicas para dar vida al texto, lo cual luego era fotografiadas en la tarjeta e incorporado sin problemas en la película. Eran el puente entre los actores silenciosos y el público ansioso, guiándolos a través de la narrativa con gracia y encanto.

Incluso si la película no era de la mayor calidad, los intertítulos podían fácilmente salvar la situación con una trabajada escritura que transformaba las mas aburridas y poco ventajosas aventuras amorosas, en un dramón histórico con filosos parlamentos.

Así que, la próxima vez que te sumerjas en el cautivador mundo del cine mudo, tómate un momento para apreciar la maestría artística detrás de esos intertítulos.

Eran más que simples palabras en una pantalla, eran los hilos mágicos que tejían la historia en su conjunto.

F.W. Murnau #1: El Genio Antes del Genio.

 Parte 1 / Parte 2 / Parte 3

Hay pocos nombres que brillen tan intensamente en el universo cinematográfico, como el de F.W. Murnau. Su narrativa visionaria, técnicas innovadoras y habilidad sin igual para capturar la esencia de la experiencia humana siguen resonando con las audiencias incluso en la actualidad. Pero, ¿qué yace bajo la enigmática fachada de este legendario cineasta? Permítanos embarcarnos en un viaje fascinante a través de la vida y obra de un artista que alteró para siempre el panorama del cine.

El Genio Antes del Genio

Nacido el 28 de diciembre de 1888 como Friedrich Wilhelm Plumpe en Bielefeld, Alemania. Su padre, Heinrich Plumpe, respetado fabricante de textiles, y su madre Ottilie, una antigua maestra, proporcionaron una sólida base familiar para un jóven Murnau, que mostró desde temprana edad una inclinación por las artes. Junto a sus dos hermanos, Robert y Bernhard, y sus hermanastras, Ida y Anna, Murnau experimentó las altas y bajas de la vida mientras la familia se trasladaba de Bielefeld a Kassel entre 1891 y 1892.

Robert, Friedrich Wilhelm, Bernhard, su padre Heinrich Plumpe y Anna.

Impulsado por una sed incesante de conocimiento y una ardiente pasión por las artes, Murnau emprendió un viaje académico que comenzó en la Universidad de Berlín en 1907. Sin embargo, su espíritu inquieto pronto lo llevó a Heidelberg, donde buscaba explorar nuevos horizontes y descubrir los secretos de su propio potencial creativo. Su imaginación vagaba libremente por las páginas de la literatura, encendiendo una pasión por contar historias que moldearía su destino. Fascinado por las obras de Friedrich Nietzsche y Johann Wolfgang von Goethe, Murnau desarrolló una profunda apreciación por la psique humana, que más tarde encontraría su expresión en sus películas.

Mientras estudiaba filología, historia del arte y literatura en la Universidad de Heidelberg, el espíritu creativo de Murnau anhelaba algo más tangible. Buscaba un medio que le permitiera transmitir sus pensamientos y emociones más profundas. Durante su experiencia universitaria, fue cuando descubrió su vocación en el mundo del teatro. Murnau se sumergió en la actuación y el diseño de escenarios, perfeccionando sus habilidades y explorando el poder transformador de la narración visual.

Fue en este tiempo, cuando el nombre de Murnau realmente apareció, pues cambió su nombre original a ese pseudónimo para evitar dolores de cabeza a su conservadora familia, que podían ver con ojos preocupantes las presentaciones teatrales de Murnau. El nombre fue inspirado por una pequeña localidad en la región de Baviera, con hermosos parajes, y que conoció en un paseo pedalero con su entrañable amigo, Hans Ehrenbaum-Degele.

Hans, compañero de estudios de Heidelberg y heredero de un acaudalado banquero de Berlín, no solo era un espíritu afín, sino también una fuerza creativa en sí mismo. Sus primeros poemas habían adornado las páginas de la prestigiosa revista cultural de Herwarth Walden, "Der Sturm" (La Tormenta), causando revuelo en los círculos vanguardistas de la época. A través de su amor compartido por el arte, Murnau y Hans forjaron un vínculo que trascendía las barreras sociales.

Hans Ehrenbaum-Degele, Mary Ehrenbaum, F. W. Murnau y Fritz Ehrenbaum. Campo Militar de Entrenamiento, Döberitz, Verano 1913

Durante una actuación estudiantil en Heidelberg, fue que Murnau atrajo la mirada perspicaz de nada menos que Max Reinhardt, el ilustre director. Reinhardt, cautivado por el talento y la presencia de Murnau, le extendió una rara invitación: la oportunidad de unirse a su prestigiosa escuela de actores en Berlín. Así comenzó a desplegarse el viaje artístico de Murnau, pintando el telón de fondo de sus futuros proyectos.

En el corazón de la vibrante subcultura bohemia de Berlín, un joven F.W. Murnau se encontró envuelto en una red de fervor artístico, amistades apasionadas y un amor que moldearía su destino. Fue dentro de este cautivador mundo que el verdadero yo de Murnau comenzó a emerger.

En el caleidoscopio de los círculos artísticos de Berlín, la homosexualidad de Murnau encontró un refugio, protegido de las miradas indiscretas de una sociedad lidiando con las sombras del prejuicio. Berlín, en aquellos días, se erigía como un faro de aceptación, un refugio donde el verdadero yo podía florecer.

Pero como el destino lo tendría, las crueles garras de la guerra se cernieron sobre su existencia idílica. Con el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, la carrera teatral de Murnau se detuvo abruptamente. El deber llamó y él atendió su sombría convocatoria, arrastrado por la obligación. Como tantos otros, marchó hacia el frente, dejando atrás el mundo artístico que lo había abrazado con fervor.

En medio del caos y la desesperación, la tragedia golpeó. Hans, su amante y amigo más querido de Murnau, cayó en el frente ruso en 1915, silenciando para siempre una voz de inmensa creatividad. La pérdida fue profunda, dejando un vacío en el alma de Murnau que nunca sanaría por completo. La guerra continuó su implacable dominio y Murnau se encontró sirviendo como comandante de reserva en Letonia, siendo testigo de los horrores de la batalla de primera mano.

Pero incluso en medio de la desolación, el espíritu artístico de Murnau perduró. En 1918, mientras estaba arrestado y recluido en Suiza en un campo de prisioneros de guerra, escribió su primer guion cinematográfico, un destello de esperanza en medio de la oscuridad. El guion insinuaba la brillantez imaginativa que más tarde definiría su legado cinematográfico.

Con el fin de la guerra, Murnau regresó a Berlín a principios de 1919, una ciudad devastada por el conflicto pero palpitante de una energía recién descubierta. Fue en este momento de vulnerabilidad e incertidumbre que Mary Ehrenbaum, la madre de su amado Hans, le ofreció una mano compasiva. Invitó a Murnau a residir en su opulenta villa enclavada en Berlín-Grunewald, un santuario donde los recuerdos de Hans se mezclaban con los susurros de la inspiración.

Murnau como comandante de reserva (centro), Dvina Occidental, Letonia, Febrero 1916

A contar de ahora, Murnau recién entraría en su etapa de cineasta en Alemania, pero esa sección de la historia te la contamos el próximo domingo en la parte 2. 😁

¿QUÉ VEMOS HOY? #7

The Adventures of Prince Achmed (1926)

dir. Lotte Reiniger

¡Aférrense a sus mágicos caballos voladores y prepárense para un viaje fantástico!

En The Adventures of Prince Achmed (1926), presencien la primera película animada de larga duración en la historia, rebosante de encanto y deslumbrante arte.

Acompañen al príncipe Achmed mientras se embarca en una aventura desenfrenada a través de un universo fascinante lleno de siluetas, donde se encontrará con malvados hechiceros, espíritus traviesos y una cautivadora historia de amor.

Con cada destello y sombra, esta joya cinematográfica nos lleva en una montaña rusa de risas, suspenso y pura maravilla.

¡Así que agarren sus palomitas de maíz y prepárense para quedar hechizados por esta obra maestra atemporal que cobra vida en la pantalla, llevándolos a un reino mágico del que no querrán partir!

Para mas información de las películas disponibles, consulta el menú del blog en Ver Películas.

Reseña #3

Tartuffe (1925)

F.W. Murnau

Tartuffe (1925) es una seminal adaptación cinematográfica muda de la clásica obra de teatro de Molière, dirigida por F.W. Murnau.

Ambientada en la Francia del siglo XVII, la película explora la naturaleza duplicitaria e hipócrita del fanatismo religioso a través del astuto personaje de Tartuffo.

La magistral dirección de Murnau y la impresionante composición visual capturan la esencia del material original, entregando una narrativa convincente llena de interpretaciones intrincadas y cinematografía elaborada.

"Tartuffe" sigue siendo un testimonio del genio directorial de Murnau y se erige como un logro cinematográfico perdurable que arroja luz sobre temas eternos, como el engaño, la manipulación y los peligros de la fe desenfrenada.

¿Que dice el Team Cine Mudo?

AMIR:  Murnau, nos trae una película donde la religión, la avaricia y el buen ver de un familiar convergen. Nunca te fíes de la persona que está cerca puede ser la manzana que pudre toda la bolsa.
⭐⭐⭐½

CRISTIAN: Una película simple, pero con variadas implicancias. Murnau logra en poco metraje contarnos, no una, sino dos historias sobre lo hipócrita y peligroso que pueden ser personas. Una crítica directa a la naturaleza humana y a sus corrupciones Desde un fanatismo religioso o por las carencias de la vida, los corazones humanos son tentados con la hipocresía y al engaño, especialmente frente a la posibilidad de riqueza “fácil”. Sin grandes producciones, como en otras de sus películas, pero con un buen juego de luces y sombras, Murnau no falla en proveernos de una cuota de juicio propio y hacernos cuestionar realmente quienes tenemos cerca de nosotros. ⭐⭐⭐⭐

FERNANDO: Murnau lleva a cabo una adaptación de uno de los grandes dramaturgos de la historia, Molière, y en este proceso juega con la idea de la repetición de la historia. Ambos relatos exploran el tema de oportunistas que buscan hacerse con la herencia de un adinerado. Además de esto, Murnau incorpora elementos autobiográficos e ingeniosas rupturas de la cuarta pared, que resultan ser de las más inesperadas y astutas que he presenciado. ⭐⭐⭐⭐

JESUS: Tartufo es una sátira tan eficiente como falta de brillantez dentro de su género. El uso de la luz y el encuadre, innegables hitos del cine de Murnau, son lo mejor de una película que funciona pero, en mi caso, no enamora. Crítica a la hipocresía y la manipulación con unos interesantes prólogos y epílogos donde el director enlaza el pasado y el presente para demostrar que los hipócritas son inmortales. ⭐⭐⭐ ½

MARIA:  En Tartufo encontramos al Murnau más teatral y, quizás, convencional. La sátira con toques casi da fábula se centra en contarnos los peligros de creer en aquellos que nos dicen lo que queremos oír. Emil Jannings es el centro de esta película dentro de otra película, con una interpretación que destaca por encima del resto. ⭐⭐⭐½

VEREDICTO

¿QUÉ VEMOS HOY? #6

The Cabinet of Dr. Caligari (1920)

dir. Robert Wiene

¡Acérquense y contemplen la enloquecedora locura de The Cabinet of Dr. Caligari (1920)!

Prepárense para ser transportados a un mundo retorcido donde la realidad misma danza en el filo de la locura.

Únanse a nuestro desafortunado héroe, Francis, mientras desentraña el enigma de un desquiciado personaje, el Dr. Caligari.

Con imágenes inquietantes que te harán abrir los ojos de par en par y una trama más retorcida que un pretzel, este clásico silente te mantendrá al borde de tu asiento.

Así que agarra tus palomitas de maíz, aférrate a tu cordura y prepárate para un viaje salvaje hacia los oscuros recovecos de la mente humana.

Es una película que te dejará reflexionando sobre la delgada línea entre los sueños y las pesadillas, cuestionando quién es el verdadero titiritero en este siniestro carnaval de la mente.

¡No te pierdas esta obra maestra que sigue cautivando a las audiencias incluso después de un siglo!

Para mas información de las películas disponibles, consulta el menú del blog en Ver Películas.

Revisión Catálogo Blu-ray: Criterion Collection #1

Sin lugar a dudas The Criterion Collection es una de las mas grandes productoras de Blu-rays de películas clásicas del mundo, con un enorme esfuerzo de restauración que permite apreciar de manera extraordinaria las obras de cine en todo su esplendor.

Entre su colección encontramos varios títulos de películas mudas de gran calidad, con mas de alguna mas por estrenarse mas adelante. Aunque en general no incorpora subtítulos en español, tendremos que conformarnos con el inglés por el momento.

Aquí algunas de sus películas disponibles:

Título: The Phantom Carriage

Director: Victor Sjöström

Año: 1921

Duración: 107 minutos

Borde: #579

País: Suecia

Intertítulos: Sueco

Subtítulos: Inglés

ZONA: A

Título: Häxan

Director: Benjamin Christensen

Año: 1922

Duración: 102 minutos

Borde: #134

País: Dinamarca

Intertítulos: Sueco

Subtítulos: Inglés

ZONA: A

Título: Safety Last

Director:  Fred Newmeyer

Año: 1923

Duración: 73 minutos

Borde: #662

País: USA

Intertítulos: Inglés

Subtítulos: No

ZONA: A

Título: Lonesome

Director: Paul Fejos

Año: 1928

Duración: 69 minutos

Borde: #623

País: USA

Intertítulos: Inglés

Subtítulos: No

ZONA: A

Título: City Lights

Director:  Charles Chaplin

Año: 1931

Duración: 86 minutos

Borde: #680

País: USA 

Intertítulos: Inglés

Subtítulos: No

ZONA: A

* Criterion tambien se comercializa en Europa con las  mismas características, pero con zona B.

** Para conocer mas catálogo disponible de otras compañías y los próximos lanzamientos consulta nuestra sección del menú en Blu-rays.

Amor Entre Líneas

Las Primeras Representaciones LGBT+ en el Cine Mudo

En los primeros días del cine, las películas estaban empezando a encontrar su voz, tanto literal como figuradamente. Era una época de experimentación y exploración.

A medida que la incipiente industria cinematográfica ganaba impulso, los cineastas audaces buscaban empujar los límites y desafiar las normas sociales. Las regulaciones de censura, los prejuicios y el temor a la reacción pública sofocaban cualquier intento de mostrar comportamientos y situaciones vistas como impropias, entre ellas: la homosexualidad.

Debido a esto, la homosexualidad rara vez se representaba de manera auténtica y explícita, a menudo relegada a indicios sutiles e insinuaciones. No obstante, estas representaciones matizadas permitían a los cineastas eludir la censura y abordar discretamente temas considerados tabú.

Una de las primeras obras destacadas que abordó la homosexualidad fue la película "Anders als die Andern" (Diferente a los demás) de 1919. Dirigida por Richard Oswald, esta película alemana se atrevió a representar una relación homosexual, centrándose en la historia de un violinista que se enamora de otro hombre y que sufre chantaje emocional y literal. A pesar de la representación compasiva de personajes gays en la película, enfrentó desafíos significativos debido a las actitudes sociales predominantes de la época.

Otra película pionera, A Florida Enchantment (1914), exploró la identidad de género y sexualidad desde un enfoque cómico. Dirigida por Sidney Drew, este cuento peculiar giraba en torno a una joven que descubre una semilla mágica que la transforma en hombre. A través de este viaje fantástico, la película tocó sutilmente la fluidez de género y desafió los roles de género tradicionales.

En 1918, otra película alemana, "I Don’t Want to Be a Man", dirigida por Ernst Lubitsch, enfrentó de frente las normas de género y sexualidad. La película se centró en una joven rebelde que, cansada de ser tratada injustamente debido a su género, decide vivir como hombre para comprobar lo fácil que era ser hombre, aunque en el camino se daría cuenta de muchas cosas que pensaba eran diferentes. En su experimento logra desarrollar sentimientos por su tutor, aunque siempre durante el momento en que ella vestía como hombre, destacando la complejidad de la orientación sexual y el deseo.

Dentro de un contexto mitológico y bíblico, la película Salomé (1922), dirigida por Charles Bryant, basada en la obra de Oscar Wilde, se adentró en el mundo sensual del personaje titular y su fascinación por Juan el Bautista. Aunque no abordaba explícitamente la homosexualidad, la representación de sus deidades difuminaban las líneas convencionales de la sexualidad y la atracción.

A medida que avanzaban los años 20, películas como Michael (1924) empujaban los límites aún más. Dirigida por Carl Theodor Dreyer, esta película muda danesa representaba un triángulo amoroso entre un pintor, una inescrupulosa princesa y un joven modelo masculino. Con su exploración de deseos prohibidos y relaciones complejas, "Michael" desafiaba lo conocido acerca de las relaciones amorosas y la bisexualidad, y brindaba al público una visión de las luchas que enfrentaban aquellos cuyo amor desafiaba ciertas convenciones.

La película alemana Sex in Chains (1928) abordaba temas de homosexualidad, encarcelamiento y opresión. Dirigida por William Dieterle, se centraba en un hombre casado que se enamora de otro preso mientras cumple una condena en prisión. La película abordaba la discriminación que enfrentaban los hombres homosexuales y arrojaba luz sobre las dolorosas consecuencias del juicio y la intolerancia social.

Wings (1927), dirigida por William A. Wellman, es conocida principalmente por sus épicas secuencias de guerra en el aire y por ser la primera ganadora del premio de la academia en 1929, pero también incluía una sutil representación de una relación homosexual. Aunque no era explícita, la película insinuaba el profundo vínculo entre dos personajes masculinos, ilustrando el poder de la camaradería y el amor frente a la adversidad.

Por último, llegamos a Pandora’s Box (1929), dirigida por Georg Wilhelm Pabst. Esta película muda alemana cautivó al público con su fascinante representación de la enigmática Lulu, interpretada por la icónica Louise Brooks. La película exploraba temas de sexualidad, obsesión y el poder destructivo del deseo. Las relaciones de Lulu tanto con hombres como con mujeres ofrecían una audaz exploración de identidades sexuales fluidas.

Sin embargo, es importante tener en cuenta que, a pesar de estas películas notables, la representación de personajes LGBT+ a menudo sucumbía a estereotipos y representaciones negativas. Estos personajes a menudo se representaban como figuras trágicas, cargadas de autoaversiones o destinadas a un destino trágico prematuro. Tales representaciones reforzaban imágenes dañinas y fomentaban asociaciones injustas que contribuían a momentos a la discriminación de la comunidad LGBT+ de la época.

Consecuentemente, la introducción del Código Hays en Hollywood en 1930 marcó un punto de inflexión para la representación de la homosexualidad en las películas estadounidenses. Incluso con el advenimiento del cine sonoro, este estricto conjunto de pautas limitó severamente la representación de personajes y relaciones homosexuales, obligándolos a permanecer en las sombras durante décadas.

Bajo el Código Hays, las temáticas LGBT+ estaban estrictamente prohibidas de ser representadas en pantalla. Las relaciones entre personas del mismo sexo se etiquetaban como "perversión sexual" y se consideraban moralmente objetables. Como resultado, la comunidad LGBT+ y sus historias fueron sistemáticamente borradas, negándoles la oportunidad de ser retratadas con autenticidad y dignidad.

Aunque el Código Hays solo afectaba a las producciones en suelo estadounidense, las cosas no eran precisamente mejores al otro lado del Atlántico. El ascenso de la Alemania nazi, a fines de la década de 1920, y la posterior persecución de la comunidad LGBT+ amplificaron aún más los desafíos que enfrentaba el cine gay. Bajo el régimen de Hitler, la homosexualidad se criminalizó y cualquier forma de expresión LGBT+ fue brutalmente reprimida. Innumerables películas fueron destruidas y muchos artistas fueron llevados al exilio o sometidos a horrores indecibles.

Al mirar hacia atrás, podemos apreciar la resistencia y valentía de las personas que se atrevieron a contar estas historias, utilizando el medio del cine como vehículo de expresión, incluso ante la discriminación y la opresión.

A medida que continuamos avanzando hacia un futuro más inclusivo, nunca debemos olvidar a los pioneros del cine mudo gay que allanaron el camino para la diversa representación que disfrutamos hoy. Sus contribuciones nos recuerdan la importancia de contar historias auténticas y fomentar la empatía hacia todos.

¿QUÉ VEMOS HOY? #5

Cabiria (1914)

dir. Giovanni Pastrone

Adéntrate en una máquina del tiempo y prepárate para una odisea cinematográfica como ninguna otra con Cabiria (1914).

Este fascinante película muda épica te llevará a tierras antiguas, donde batallas de grandes proporciones , aventuras trepidantes y espectáculos impresionantes te esperan 

Dirigida por el visionario director italiano Giovanni Pastrone, "Cabiria", su primer largometraje, es un festín para los ojos, con sus gloriosos escenarios, vestuarios opulentos y una cinematografía deslumbrante que te dejará boquiabierto.

Prepárate para un torbellino de emociones mientras sigues a la valiente Cabiria en su viaje a través de terrenos traicioneros y te encuentras con personajes inolvidables en el camino, como el primer sex symbol de la  historia del cine, Maciste.

Para mas información de las películas disponibles, consulta el menú del blog en Ver Películas.

Reseña #2

Häxan (1922)

dir. Benjamin Christensen

Häxan (1922) es una película revolucionaria que se adentra en los oscuros reinos de la brujería y la superstición como nunca antes.

Dirigida por Benjamin Christensen, esta meticulosamente elaborada gran obra del cine mudo escandinavo, explora la historia de las cacerías de brujas, las creencias en la brujería y la histeria que envolvió a las sociedades a lo largo de los siglos.

Con su innovadora mezcla de narración estilo documental y recreaciones deslumbrantemente vívidas de juicios de brujas y representaciones inquietantes de lo sobrenatural, Häxan desafía las normas sociales y ofrece una exploración reflexiva sobre el miedo humano y el poder del mito.

Estrenada el mismo año que Nosferatu, Häxan es parte de la cuna del terror en el cine, una invitación diferente para adentrarnos en un mundo de sombras y secretos, donde la realidad y la fantasía se entrelazan.

¿Que dice el Team Cine Mudo?

CRISTIAN: Espeluznantemente satisfactoria, es quedarse corto con el sentir que te deja Häxan, un trabajo de joyería crítica, expuesto por Benjamin Christensen a la sociedad de hace un siglo, pero que repercute especialmente hoy a la nuestra. El formato del falso documental tiene a uno de sus primeros exponentes,  donde recrea pasajes históricos oscuros del acontecer humano y su relación con le mente,  las creencias, la religión y el mito. Un plato de fondo seguro para el próximo halloween. ⭐⭐⭐⭐

FERNANDO: Obra maestra que es capaz de enlazar géneros tan dispares como el documental ficcionado, el terror, la fantasía y el drama psicológico y social. ⭐⭐⭐⭐⭐

JESUS: Si la fuerza visual de Häxan es hoy en día muy potente, no se puede imaginar lo que supuso para la sociedad de principios de siglo XX exponerse a esta película. Excelente cuasi-documental donde el autor, además de exponer, reflexiona, cual ensayista, sobre las supersticiones, supercherías y creencias demoníacas en la Inquisición, en contraste con la sociedad contemporánea al autor. ⭐⭐⭐ ½

MARIA: Häxan es un estudio de la brujería a través de los tiempos llevado a cabo desde un punto de vista casi científico: Christensen analiza la historia de la brujería, sus causas, sus procedimientos y sus consecuencias; incluso llega a buscar las razones por las que se dio y las enlaza con la perspectiva de la época, todo ello sin juzgar a los implicados, entendiendo que es fruto de una época pasada de la que aún pervivían ciertos ecos en su presente. Pese a ser un documental, no pierde de vista los aspectos más narrativos o visuales, que encuentran su zenit en la recreación de las ceremonias de brujería. ⭐⭐⭐⭐⭐

PABLO: Christenssen es un tipo tan inteligente que decide meternos un caballo de Troya a través del cine de género, la brujería y el terror, para hablarnos realmente sobre la violencia machista estructural que las sociedades han ejercido contra las mujeres desde la antigüedad. Sin por ello renunciar al discurso esotérico y surrealista de los akelarres, de figuras demoníacas que transitan desde figuras antropomórficas hasta engrendos que entroncan con la tradición del horror literario más extremo, ni tampoco al juego de diversas técnicas cinematográficas como los fondos pintados, las sombras chinescas o complejos ángulos en los que colocar la cámara, lo que convierte a "Haxan" en una de las películas más modernas de su década. ⭐⭐⭐⭐ ½

VEREDICTO