Reseña #5

Mother (1926)

dir. Vsevolod Pudovkin

Adéntrate en el fascinante mundo hipnótico de Mother (1926), del visionario director soviético Pudovkin.

En esta cautivadora experiencia cinematográfica, la pantalla cobra vida con el turbulento relato de un hijo y su madre, divididos entre lealtad y rebeldía.

Ambientada en el trasfondo de la Revolución Rusa, la película sigue el apasionante viaje de un joven atrapado en el torbellino de la agitación política, el amor y el sacrificio.

A través de una cinematografía exquisita y actuaciones evocadoras, Pudovkin teje un cautivador tapiz de emociones que te dejará sin aliento.

"Mother" es un viaje inmersivo al espíritu humano, donde los lazos familiares se enfrentan al fuego de la revolución, convirtiéndola en una experiencia inolvidable que perdura mucho después del último fotograma.

¿Que dice el Team Cine Mudo?

CRISTIAN: Como de costumbre el cine soviético, de la mano de Pudovkin, nos entrega una intensa y muy propagandística historia de opresión y revuelta. En Mother, las banderas de lucha de la revolución están presentes, siempre defendiendo la vida de esfuerzo y poco agradecida de sus trabajadores frente a la maquinaria imperial. El amor incondicional entre madre protectora (y agredida) e hijo trabajador revolucionario conmueve desde todos los ángulos, pues es el clásico reflejo del cobijo materno (como la madre Rusia), que debe anteponerse ante todas las adversidades e injusticias de una sociedad zarista inoperante y corrupta. Claros simbolismos que enaltecen la ideología y promueve el panfleto. Con grandes manejos técnicos y cinematográficos, Pudovkin no sólo maravilla con su manejo en cámara, sino que, de manera efectista, encanta en su cometido de invitarte a marchar por tus camaradas. ⭐⭐⭐⭐

FERNANDO: Pudovkin adapta la obra de Gorki donde muestra las miserias de la clase obrera en la época final del zarismo. El personaje principal es la propia madre que sufre un marido maltratador y borracho, así como la soledad sin ningún apoyo y sustento. La película es dura y cruel! sin atisbo de piedad aunque nunca llegando a mi límite de porno emocional. Falla al final donde deja más claro su mensaje propagandístico pro revolución proletaria bastante cantoso. ⭐⭐⭐⭐

MARIA:  Mother, se sitúa en los tiempos previos y durante la revolución bolchevique para mostrarnos las condiciones de vida de los obreros de la época, todo desde el punto de vista de la madre de uno de ellos. Pudovkin enfoca la película desde el realismo, dejando de lado, aparentemente, la propaganda, aunque su final hace que la historia al completo cobre un nuevo sentido.⭐⭐⭐⭐

VEREDICTO

Boletín Bluray Junio 2023

Próximos Lanzamientos en Blu-Ray

FLICKER ALLEY

Título: Foolish Wives

Director: Erich Von Stroheim

Lanzamiento: 27/06/2023

Año: 1922

Duración: 147 minutos

UPC: 617311688294

País: USA

Idioma: inglés (intertítulos)

ZONA: Region Free

UNDERCRANK PRODUCTIONS

Título: Sky High / The Big Diamond Robber

Director: Lynn Reynolds / Eugene Forde

Lanzamiento: 11/07/2023

Año: 1922 / 1929

Duración: 58 / 65 minutos

UPC: -----

País: USA

Idioma: inglés (intertítulos)

ZONA: Region Free

KINO LORBER

Título: Michael

Director: Carl Theodor Dreyer

Lanzamiento: 18/07/2023

Año: 1924

Duración: 94 minutos

UPC: 738329263294

País: Alemania

Idioma: alemán (intertítulos)

             inglés (subtítulos)

ZONA: A

COHEN FILM COLLECTION

Título: Robin Hood / The Black Pirate

Director:  Allan Dwan / Albert Parker

Lanzamiento: 25/07/2023

Año: 1922 / 1926

Duración: 133 / 95 minutos

UPC: 738329263324

País: USA

Idioma: inglés (intertítulos)

ZONA: A

F.W. Murnau #2: El Camino a la Grandeza

 Parte 1 / Parte 2 / Parte 3

Hay pocos nombres que brillen tan intensamente en el universo cinematográfico, como el de F.W. Murnau. Su narrativa visionaria, técnicas innovadoras y habilidad sin igual para capturar la esencia de la experiencia humana siguen resonando con las audiencias incluso en la actualidad. Pero, ¿qué yace bajo la enigmática fachada de este legendario cineasta? Permítanos embarcarnos en un viaje fascinante a través de la vida y obra de un artista que alteró para siempre el panorama del cine. 

El Camino a la Grandeza

A su regreso a Berlín en 1919, Friedrich Wilhelm Murnau emprendió un nuevo capítulo en su carrera como director de cine. Colaborando con Ernst Hofmann, su antiguo colega del Deutsche Theater, el debut directorial de Murnau se hizo realidad con "Der Knabe in Blau" (El niño en azul) en el mismo año. Inspirado en la pintura rococó del mismo nombre, creada por el pintor inglés Thomas Gainsborough, y la obra literaria de Oscar Wilde, El Retrato de Dorian Gray, la película teje una historia de un noble empobrecido atrapado por la maldición de un cuadro, donde cree ver reflejada su imagen en un retrato ancestral.

Para finales de 1921, Murnau ya había dirigido diez largometrajes, de los cuales cinco mostraban el talento de Conrad Veidt, un actor con quien Murnau compartía una amistad de larga data desde sus días en los teatros Reinhardt. Obras como "Satanas" (1919-20), "Der Januskopf" (La burla del amor) y "Abend - Nacht - Morgen" (Noche - Tarde - Mañana), todas bajo la dirección de Murnau, consolidaron aún más la reputación de Veidt como un hábil intérprete de personajes diabólicos y demoníacos.

La posguerra de la Primera Guerra Mundial presenció un florecimiento de la industria cinematográfica, a medida que se levantaban las restricciones de censura y la población buscaba evasión y entretenimiento. Las películas de aventuras y crimen eran particularmente populares entre el público de la época, y las primeras obras de Murnau abrazaron estas tendencias, a menudo con escenarios exóticos y narrativas de crimen fascinantes. Desafortunadamente, solo tres de las películas de Murnau de los años 1919 a 1921 han sobrevivido hasta nuestros días, dejando siete relegadas a los anales del cine perdido.

Murnau emprendió un viaje colaborativo con la renombrada guionista Thea von Harbou en 1921. Su primera empresa conjunta, "Der Brennende Acker" (La tierra en llamas) en 1921/22, retrató las vidas contrastantes de un campesino tradicional y un aristócrata mundano, explorando las ambiciones que los impulsan. El siguiente proyecto de la pareja, "Phantom" en 1922, indagó en el tema del amor no correspondido, girando en torno a un funcionario municipal atrapado en las garras de la desilusión amorosa. Esta narrativa dramática se desarrolló en el trasfondo del choque entre los mundos burgués y proletario, hábilmente adaptada por von Harbou misma de la novela homónima de Gerhart Hauptmann.

Sombras utilizadas para la películas Phantom (1922)

En marzo de 1922, la obra maestra de Murnau, "Nosferatu", hizo su gran debut en Berlín. Esta icónica película de vampiros sigue ejerciendo su influencia en el cine de género en todo el mundo hasta el día de hoy. La atmósfera inquietante y siniestra que impregna la película fue meticulosamente creada gracias a los esfuerzos colaborativos de Murnau, su guionista Henrik Galeen y el talentoso diseñador de vestuario y director de arte, Albin Grau. Grau, quien también incursionó en el diseño de escenografía, la pintura y el espiritismo, estableció su compañía de producción, Prana Film, para dar vida a esta obra maestra terrorífica y eterna.

Nosferatu era una adaptación libre de Drácula, la obra de terror victoriana escrita por Bram Stoker. A pesar del rotundo éxito, la viuda de Bram Stoker, Florence Balcombe, fue notificada de la existencia de este film, por lo que prontamente demandó a la compañía Prana por infringir los derechos de autor vigentes para la obra de su difunto marido. Blacombe ganó el juicio, consioguiendo la destrución absoluta de todas las copias del film distribuidas en Alemania. Sin embargo, sabemos  que muchas copias sobrevivieron hasta hoy, agrandando el mito del vampito y de Murnau.

Max Shreck en el set de Nosferatu (1922)

Tras estos primeros éxitos, Murnau dirigió "Die Austreibung" (La expulsión) en 1923, una cautivadora historia sobre las luchas de los campesinos, y "Die Finanzen des Grossherzogs" (Las finanzas del Gran Duque) en 1923/24, una comedia ligera. Sin embargo, fue el inicio del rodaje de "Der Letzte Mann" (El último hombre) en mayo de 1924 lo que llevó a Murnau al centro de atención internacional, marcando un punto de inflexión en su carrera. Escrito por Carl Mayer, uno de los guionistas de habla alemana más influyentes de la época, esta película cuenta la historia de un portero de hotel degradado obligado a convertirse en un asistente de lavabos.

Murnau y Karl Freund en el set de The Last Laugh (1924)

Para "Der Letzte Mann", Murnau reunió a un equipo excepcional, incluyendo al director de fotografía Karl Freund y a los diseñadores de producción Robert Herlth y Walter Röhrig. El papel principal fue interpretado magistralmente por Emil Jannings. La película fue producida por Erich Pommer, quien había sido un firme apoyo de Murnau desde su colaboración en "Schloss Vogelöd" (El castillo encantado) en 1921.

La producción de "Der Letzte Mann" mostró la pasión desenfrenada de Murnau por la experimentación, con técnicas innovadoras como el uso de una cámara en movimiento, creando un tapiz visual que cautivó a la audiencia. Además, en este película creó una narrativa casi 100% visual, con ausencia de intertítulos, elemento característico del cine mudo, pero que hábilmente no utilizó para basar todo el poder interpretativo en un eficiente y desatado Jannings. Incluso antes de su estreno mundial en Berlín, la película obtuvo elogios de la crítica cuando se proyectó a la prensa en Nueva York a principios de diciembre de 1924, estableciendo la reputación internacional de Murnau.

Emil Jannings en The Last Laugh (1924)

El productor de Ufa, Erich Pommer, y su talentoso equipo se reunieron con Murnau para su último proyecto, la fascinante película "TARTÜFFE" (Tartufo, el hipócrita) en 1925. La obra maestra cómica de Molière sufrió una magnífica transformación, convirtiéndose en una "película dentro de una película". Una peculiar ama de llaves de un anciano trama estafar a su nieto de su herencia legítima. Para desenmascarar su engaño, el nieto se disfraza como un artista ambulante, fascinando a su abuelo con una película que muestra el manipulativo y perverso carácter del señor Tartufo. Para preparar el escenario de esta notable película, Ufa desplegó todos sus recursos, lanzándola con un gran estreno en el ilustre Gloria Palast de Berlín, un verdadero evento social que dejó a la audiencia expectante.

Faust (1926)

Pero el viaje creativo de Murnau no se detuvo ahí. Su siguiente proyecto, "FAUST" (1925/26), fue el ambicioso intento de Ufa de cautivar el mercado cinematográfico internacional. A pesar de las limitaciones financieras de la compañía, destinaron una asombrosa suma de dos millones de marcos para esta prestigiosa producción. Después de todo, el inmortal cuento de Goethe sobre "Fausto" se consideraba una garantía segura para el éxito del sofisticado cine alemán. Una vez más, liderando el camino estaba el incomparable Emil Jannings, una estrella experimentada de Hollywood que agregó su innegable encanto a la mezcla. Con la dirección visionaria de Murnau, la película se convirtió en un espectáculo visual, utilizando ingeniosas técnicas de cámara y efectos especiales que transportaban al público a un mundo de magia y asombro.

Poco sabía Ufa que "FAUST" sería la crónica de una muerte anunciada de Murnau para el estudio alemán. Después de un viaje innovador a Estados Unidos a principios de 1925, Murnau firmó un contrato con nada menos que el productor cinematográfico William Fox. Para cuando llegó el gran estreno de "FAUST" en Berlín en octubre de 1926, Murnau ya había puesto un pie en Hollywood, listo para embarcarse en un nuevo capítulo de su ilustre carrera. Sin embargo, su amor por Berlín permaneció intacto y regresó en el verano de 1927, con la esperanza de una nueva colaboración con Ufa. Pero el destino tenía otros planes y el proyecto no se materializó, dejando a Murnau con plena libertad de consciencia para continuar explorando y disfrutar de los nuevos logros que ya estaba cosechando en el deslumbrante mundo del cine estadounidense.

Murnau se fue de Alemania ya como una estrella, pero el real destape lo esperaría al otro lado del atlántica. Esto y mas te lo contaremos el próximo domingo en la parte 3 de esta serie homenaje a Murnau.

Reseña #4

The Iron Horse (1924)

dir. John Ford

Aférrense a sus sombreros de vaquero y prepárense para un apasionante viaje a través del Salvaje Oeste con The Iron Horse (1924).

Esta película es una épica de aventura, dirigida por John Ford, que reimagina la titánica labor de conectar las cosas de Estados Unidos, a través del tren transcontinental.

Prepárense para presenciar esta audaz hazaña de ingeniería mientras la gigantesca máquina de hierro avanza a través de vastos paisajes, conquistando los obstáculos de la naturaleza como un toro brioso.

Pero no todo se trata de las vías; esta película tiene un incluye una vibrante historia de amor, traición y venganza, agitando las emociones como un arbusto rodante atrapado en un torbellino.

¡Así que suban a bordo y prepárense para ser transportados a una época en la que los hombres llevaban Stetsons y el Oeste era verdaderamente salvaje!

¿Que dice el Team Cine Mudo?

AGU: The Iron Horse es una película gigante. Rodada en el 1924, contó con mas de mil extras, cientos de actores y un extenso grupo de operarios, convirtiéndola en la mayor superproducción de la época. Todo ello nos demuestra el grado de maduración y la  profesionalidad de un jovencísimo Ford aún en búsqueda de moldear un estilo propio dentro de la industria. La cinta acusa  cierta falta de ritmo y peca de repetirse en exceso en su segunda mitad. Sin embargo, no deja de ser una de esas cintas clave en el camino hacia la maduración artística y estilística del director. ⭐⭐⭐½

CRISTIAN: El lugar donde realmente vemos como el género western toma su forma y Ford comienza mostrar los elementos que veríamos mas adelante en varias de sus obras. Sin duda a lo largo de su extenso metraje hay algunas secuencias que podrían haberse evitado, el grueso de The Iron Horse permite conocer un pedacito de la compleja y ardua convivencia en aquellos años de mucho conflicto. Desde todo el proceso de construcción de las vías, la vida de cantina, el viaje del héroe, traiciones, amor y los encuentros con indios en grandes y vertiginosos tiroteos, la película no decae en su energía y procura hacerte participe de este sueño americano de unificar sus costas a través del tren. En el fondo, un homenaje al esfuerzo de los ciudadanos (y extranjeros) quen en su conjunto fueron motor del desarrollo por venir. ⭐⭐⭐⭐

FERNANDO: El protowestern de John Ford. Perfecto para los completistas del género y del autor presenciado. ⭐⭐⭐

MARIA:  The iron horse supone la génesis no sólo del estilo de Ford sino del mito del oeste; aquí se observan los inicios del género, todo lo que se explotaría más tarde. Ford comienza a dar muestras también del estilo que le haría famoso y, además, en esta ocasión cuenta con la destacada presencia George O'Brien, quizás más conocido por Sunrise de Murnau.⭐⭐⭐½

VEREDICTO

¿QUÉ VEMOS HOY? #8

L'Inhumaine (1924)

dir. Marcel L'Herbier

¡Adéntrate en el inusual mundo de "L'Inhumaine"!

Esta película francesa de 1924 es un torbellino de asombrosa vanguardia que te dejará desconcertado de la mejor manera posible.

Una seductora diva de la ópera, un elegante arquitecto y un científico excéntrico. Todos ellos chocan en un cuento alucinante de amor, traición y desventuras futuristas.

Prepárate para que tus sentidos sean sacudidos por impactantes escenarios, inventiva cinematografía y peculiares personajes.

Con su mezcla de surrealismo, art déco y un toque de locura científica desenfrenada, "L'Inhumaine" es como un viaje en el tiempo a una fiesta alocada que nunca supiste que necesitabas.

¡Prepárate para quedar maravillosamente perplejo!

Curiosidades del Cine Mudo #3

Texto con intención:

El diseño lúdico de los intertítulos

En el cautivador mundo del cine mudo, donde el diálogo quedaba sin decir y las cámaras eran accionadas a mano, los intertítulos ocupaban el escenario con su propio estilo único, transmitiendo diálogos, descripciones de escenas e información narrativa al público.

Cada una de estas tarjetas de título era una pequeña obra de arte, meticulosamente escrita a mano o cuidadosamente compuesta para capturar la esencia de las escenas de la película.

Desde elegante caligrafía hasta tipografía audaz, los intertítulos eran en sí mismos una forma de arte. Algunos eran simples y directos, mientras que otros adoptaban diseños elaborados que reflejaban el estado de ánimo o el tema de la película, además de tener la facultad de añadir un toque de humor, cuando necesario.

Los cineastas a menudo utilizaban bordes decorativos, ilustraciones intrincadas e incluso animaciones lúdicas para dar vida al texto, lo cual luego era fotografiadas en la tarjeta e incorporado sin problemas en la película. Eran el puente entre los actores silenciosos y el público ansioso, guiándolos a través de la narrativa con gracia y encanto.

Incluso si la película no era de la mayor calidad, los intertítulos podían fácilmente salvar la situación con una trabajada escritura que transformaba las mas aburridas y poco ventajosas aventuras amorosas, en un dramón histórico con filosos parlamentos.

Así que, la próxima vez que te sumerjas en el cautivador mundo del cine mudo, tómate un momento para apreciar la maestría artística detrás de esos intertítulos.

Eran más que simples palabras en una pantalla, eran los hilos mágicos que tejían la historia en su conjunto.

F.W. Murnau #1: El Genio Antes del Genio.

 Parte 1 / Parte 2 / Parte 3

Hay pocos nombres que brillen tan intensamente en el universo cinematográfico, como el de F.W. Murnau. Su narrativa visionaria, técnicas innovadoras y habilidad sin igual para capturar la esencia de la experiencia humana siguen resonando con las audiencias incluso en la actualidad. Pero, ¿qué yace bajo la enigmática fachada de este legendario cineasta? Permítanos embarcarnos en un viaje fascinante a través de la vida y obra de un artista que alteró para siempre el panorama del cine.

El Genio Antes del Genio

Nacido el 28 de diciembre de 1888 como Friedrich Wilhelm Plumpe en Bielefeld, Alemania. Su padre, Heinrich Plumpe, respetado fabricante de textiles, y su madre Ottilie, una antigua maestra, proporcionaron una sólida base familiar para un jóven Murnau, que mostró desde temprana edad una inclinación por las artes. Junto a sus dos hermanos, Robert y Bernhard, y sus hermanastras, Ida y Anna, Murnau experimentó las altas y bajas de la vida mientras la familia se trasladaba de Bielefeld a Kassel entre 1891 y 1892.

Robert, Friedrich Wilhelm, Bernhard, su padre Heinrich Plumpe y Anna.

Impulsado por una sed incesante de conocimiento y una ardiente pasión por las artes, Murnau emprendió un viaje académico que comenzó en la Universidad de Berlín en 1907. Sin embargo, su espíritu inquieto pronto lo llevó a Heidelberg, donde buscaba explorar nuevos horizontes y descubrir los secretos de su propio potencial creativo. Su imaginación vagaba libremente por las páginas de la literatura, encendiendo una pasión por contar historias que moldearía su destino. Fascinado por las obras de Friedrich Nietzsche y Johann Wolfgang von Goethe, Murnau desarrolló una profunda apreciación por la psique humana, que más tarde encontraría su expresión en sus películas.

Mientras estudiaba filología, historia del arte y literatura en la Universidad de Heidelberg, el espíritu creativo de Murnau anhelaba algo más tangible. Buscaba un medio que le permitiera transmitir sus pensamientos y emociones más profundas. Durante su experiencia universitaria, fue cuando descubrió su vocación en el mundo del teatro. Murnau se sumergió en la actuación y el diseño de escenarios, perfeccionando sus habilidades y explorando el poder transformador de la narración visual.

Fue en este tiempo, cuando el nombre de Murnau realmente apareció, pues cambió su nombre original a ese pseudónimo para evitar dolores de cabeza a su conservadora familia, que podían ver con ojos preocupantes las presentaciones teatrales de Murnau. El nombre fue inspirado por una pequeña localidad en la región de Baviera, con hermosos parajes, y que conoció en un paseo pedalero con su entrañable amigo, Hans Ehrenbaum-Degele.

Hans, compañero de estudios de Heidelberg y heredero de un acaudalado banquero de Berlín, no solo era un espíritu afín, sino también una fuerza creativa en sí mismo. Sus primeros poemas habían adornado las páginas de la prestigiosa revista cultural de Herwarth Walden, "Der Sturm" (La Tormenta), causando revuelo en los círculos vanguardistas de la época. A través de su amor compartido por el arte, Murnau y Hans forjaron un vínculo que trascendía las barreras sociales.

Hans Ehrenbaum-Degele, Mary Ehrenbaum, F. W. Murnau y Fritz Ehrenbaum. Campo Militar de Entrenamiento, Döberitz, Verano 1913

Durante una actuación estudiantil en Heidelberg, fue que Murnau atrajo la mirada perspicaz de nada menos que Max Reinhardt, el ilustre director. Reinhardt, cautivado por el talento y la presencia de Murnau, le extendió una rara invitación: la oportunidad de unirse a su prestigiosa escuela de actores en Berlín. Así comenzó a desplegarse el viaje artístico de Murnau, pintando el telón de fondo de sus futuros proyectos.

En el corazón de la vibrante subcultura bohemia de Berlín, un joven F.W. Murnau se encontró envuelto en una red de fervor artístico, amistades apasionadas y un amor que moldearía su destino. Fue dentro de este cautivador mundo que el verdadero yo de Murnau comenzó a emerger.

En el caleidoscopio de los círculos artísticos de Berlín, la homosexualidad de Murnau encontró un refugio, protegido de las miradas indiscretas de una sociedad lidiando con las sombras del prejuicio. Berlín, en aquellos días, se erigía como un faro de aceptación, un refugio donde el verdadero yo podía florecer.

Pero como el destino lo tendría, las crueles garras de la guerra se cernieron sobre su existencia idílica. Con el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, la carrera teatral de Murnau se detuvo abruptamente. El deber llamó y él atendió su sombría convocatoria, arrastrado por la obligación. Como tantos otros, marchó hacia el frente, dejando atrás el mundo artístico que lo había abrazado con fervor.

En medio del caos y la desesperación, la tragedia golpeó. Hans, su amante y amigo más querido de Murnau, cayó en el frente ruso en 1915, silenciando para siempre una voz de inmensa creatividad. La pérdida fue profunda, dejando un vacío en el alma de Murnau que nunca sanaría por completo. La guerra continuó su implacable dominio y Murnau se encontró sirviendo como comandante de reserva en Letonia, siendo testigo de los horrores de la batalla de primera mano.

Pero incluso en medio de la desolación, el espíritu artístico de Murnau perduró. En 1918, mientras estaba arrestado y recluido en Suiza en un campo de prisioneros de guerra, escribió su primer guion cinematográfico, un destello de esperanza en medio de la oscuridad. El guion insinuaba la brillantez imaginativa que más tarde definiría su legado cinematográfico.

Con el fin de la guerra, Murnau regresó a Berlín a principios de 1919, una ciudad devastada por el conflicto pero palpitante de una energía recién descubierta. Fue en este momento de vulnerabilidad e incertidumbre que Mary Ehrenbaum, la madre de su amado Hans, le ofreció una mano compasiva. Invitó a Murnau a residir en su opulenta villa enclavada en Berlín-Grunewald, un santuario donde los recuerdos de Hans se mezclaban con los susurros de la inspiración.

Murnau como comandante de reserva (centro), Dvina Occidental, Letonia, Febrero 1916

A contar de ahora, Murnau recién entraría en su etapa de cineasta en Alemania, pero esa sección de la historia te la contamos el próximo domingo en la parte 2. 😁

¿QUÉ VEMOS HOY? #7

The Adventures of Prince Achmed (1926)

dir. Lotte Reiniger

¡Aférrense a sus mágicos caballos voladores y prepárense para un viaje fantástico!

En The Adventures of Prince Achmed (1926), presencien la primera película animada de larga duración en la historia, rebosante de encanto y deslumbrante arte.

Acompañen al príncipe Achmed mientras se embarca en una aventura desenfrenada a través de un universo fascinante lleno de siluetas, donde se encontrará con malvados hechiceros, espíritus traviesos y una cautivadora historia de amor.

Con cada destello y sombra, esta joya cinematográfica nos lleva en una montaña rusa de risas, suspenso y pura maravilla.

¡Así que agarren sus palomitas de maíz y prepárense para quedar hechizados por esta obra maestra atemporal que cobra vida en la pantalla, llevándolos a un reino mágico del que no querrán partir!

Para mas información de las películas disponibles, consulta el menú del blog en Ver Películas.

Reseña #3

Tartuffe (1925)

F.W. Murnau

Tartuffe (1925) es una seminal adaptación cinematográfica muda de la clásica obra de teatro de Molière, dirigida por F.W. Murnau.

Ambientada en la Francia del siglo XVII, la película explora la naturaleza duplicitaria e hipócrita del fanatismo religioso a través del astuto personaje de Tartuffo.

La magistral dirección de Murnau y la impresionante composición visual capturan la esencia del material original, entregando una narrativa convincente llena de interpretaciones intrincadas y cinematografía elaborada.

"Tartuffe" sigue siendo un testimonio del genio directorial de Murnau y se erige como un logro cinematográfico perdurable que arroja luz sobre temas eternos, como el engaño, la manipulación y los peligros de la fe desenfrenada.

¿Que dice el Team Cine Mudo?

AMIR:  Murnau, nos trae una película donde la religión, la avaricia y el buen ver de un familiar convergen. Nunca te fíes de la persona que está cerca puede ser la manzana que pudre toda la bolsa.
⭐⭐⭐½

CRISTIAN: Una película simple, pero con variadas implicancias. Murnau logra en poco metraje contarnos, no una, sino dos historias sobre lo hipócrita y peligroso que pueden ser personas. Una crítica directa a la naturaleza humana y a sus corrupciones Desde un fanatismo religioso o por las carencias de la vida, los corazones humanos son tentados con la hipocresía y al engaño, especialmente frente a la posibilidad de riqueza “fácil”. Sin grandes producciones, como en otras de sus películas, pero con un buen juego de luces y sombras, Murnau no falla en proveernos de una cuota de juicio propio y hacernos cuestionar realmente quienes tenemos cerca de nosotros. ⭐⭐⭐⭐

FERNANDO: Murnau lleva a cabo una adaptación de uno de los grandes dramaturgos de la historia, Molière, y en este proceso juega con la idea de la repetición de la historia. Ambos relatos exploran el tema de oportunistas que buscan hacerse con la herencia de un adinerado. Además de esto, Murnau incorpora elementos autobiográficos e ingeniosas rupturas de la cuarta pared, que resultan ser de las más inesperadas y astutas que he presenciado. ⭐⭐⭐⭐

JESUS: Tartufo es una sátira tan eficiente como falta de brillantez dentro de su género. El uso de la luz y el encuadre, innegables hitos del cine de Murnau, son lo mejor de una película que funciona pero, en mi caso, no enamora. Crítica a la hipocresía y la manipulación con unos interesantes prólogos y epílogos donde el director enlaza el pasado y el presente para demostrar que los hipócritas son inmortales. ⭐⭐⭐ ½

MARIA:  En Tartufo encontramos al Murnau más teatral y, quizás, convencional. La sátira con toques casi da fábula se centra en contarnos los peligros de creer en aquellos que nos dicen lo que queremos oír. Emil Jannings es el centro de esta película dentro de otra película, con una interpretación que destaca por encima del resto. ⭐⭐⭐½

VEREDICTO

¿QUÉ VEMOS HOY? #6

The Cabinet of Dr. Caligari (1920)

dir. Robert Wiene

¡Acérquense y contemplen la enloquecedora locura de The Cabinet of Dr. Caligari (1920)!

Prepárense para ser transportados a un mundo retorcido donde la realidad misma danza en el filo de la locura.

Únanse a nuestro desafortunado héroe, Francis, mientras desentraña el enigma de un desquiciado personaje, el Dr. Caligari.

Con imágenes inquietantes que te harán abrir los ojos de par en par y una trama más retorcida que un pretzel, este clásico silente te mantendrá al borde de tu asiento.

Así que agarra tus palomitas de maíz, aférrate a tu cordura y prepárate para un viaje salvaje hacia los oscuros recovecos de la mente humana.

Es una película que te dejará reflexionando sobre la delgada línea entre los sueños y las pesadillas, cuestionando quién es el verdadero titiritero en este siniestro carnaval de la mente.

¡No te pierdas esta obra maestra que sigue cautivando a las audiencias incluso después de un siglo!

Para mas información de las películas disponibles, consulta el menú del blog en Ver Películas.