Reseña #3

Tartuffe (1925)

F.W. Murnau

Tartuffe (1925) es una seminal adaptación cinematográfica muda de la clásica obra de teatro de Molière, dirigida por F.W. Murnau.

Ambientada en la Francia del siglo XVII, la película explora la naturaleza duplicitaria e hipócrita del fanatismo religioso a través del astuto personaje de Tartuffo.

La magistral dirección de Murnau y la impresionante composición visual capturan la esencia del material original, entregando una narrativa convincente llena de interpretaciones intrincadas y cinematografía elaborada.

"Tartuffe" sigue siendo un testimonio del genio directorial de Murnau y se erige como un logro cinematográfico perdurable que arroja luz sobre temas eternos, como el engaño, la manipulación y los peligros de la fe desenfrenada.

¿Que dice el Team Cine Mudo?

AMIR:  Murnau, nos trae una película donde la religión, la avaricia y el buen ver de un familiar convergen. Nunca te fíes de la persona que está cerca puede ser la manzana que pudre toda la bolsa.
⭐⭐⭐½

CRISTIAN: Una película simple, pero con variadas implicancias. Murnau logra en poco metraje contarnos, no una, sino dos historias sobre lo hipócrita y peligroso que pueden ser personas. Una crítica directa a la naturaleza humana y a sus corrupciones Desde un fanatismo religioso o por las carencias de la vida, los corazones humanos son tentados con la hipocresía y al engaño, especialmente frente a la posibilidad de riqueza “fácil”. Sin grandes producciones, como en otras de sus películas, pero con un buen juego de luces y sombras, Murnau no falla en proveernos de una cuota de juicio propio y hacernos cuestionar realmente quienes tenemos cerca de nosotros. ⭐⭐⭐⭐

FERNANDO: Murnau lleva a cabo una adaptación de uno de los grandes dramaturgos de la historia, Molière, y en este proceso juega con la idea de la repetición de la historia. Ambos relatos exploran el tema de oportunistas que buscan hacerse con la herencia de un adinerado. Además de esto, Murnau incorpora elementos autobiográficos e ingeniosas rupturas de la cuarta pared, que resultan ser de las más inesperadas y astutas que he presenciado. ⭐⭐⭐⭐

JESUS: Tartufo es una sátira tan eficiente como falta de brillantez dentro de su género. El uso de la luz y el encuadre, innegables hitos del cine de Murnau, son lo mejor de una película que funciona pero, en mi caso, no enamora. Crítica a la hipocresía y la manipulación con unos interesantes prólogos y epílogos donde el director enlaza el pasado y el presente para demostrar que los hipócritas son inmortales. ⭐⭐⭐ ½

MARIA:  En Tartufo encontramos al Murnau más teatral y, quizás, convencional. La sátira con toques casi da fábula se centra en contarnos los peligros de creer en aquellos que nos dicen lo que queremos oír. Emil Jannings es el centro de esta película dentro de otra película, con una interpretación que destaca por encima del resto. ⭐⭐⭐½

VEREDICTO

¿QUÉ VEMOS HOY? #6

The Cabinet of Dr. Caligari (1920)

dir. Robert Wiene

¡Acérquense y contemplen la enloquecedora locura de The Cabinet of Dr. Caligari (1920)!

Prepárense para ser transportados a un mundo retorcido donde la realidad misma danza en el filo de la locura.

Únanse a nuestro desafortunado héroe, Francis, mientras desentraña el enigma de un desquiciado personaje, el Dr. Caligari.

Con imágenes inquietantes que te harán abrir los ojos de par en par y una trama más retorcida que un pretzel, este clásico silente te mantendrá al borde de tu asiento.

Así que agarra tus palomitas de maíz, aférrate a tu cordura y prepárate para un viaje salvaje hacia los oscuros recovecos de la mente humana.

Es una película que te dejará reflexionando sobre la delgada línea entre los sueños y las pesadillas, cuestionando quién es el verdadero titiritero en este siniestro carnaval de la mente.

¡No te pierdas esta obra maestra que sigue cautivando a las audiencias incluso después de un siglo!

Para mas información de las películas disponibles, consulta el menú del blog en Ver Películas.

Revisión Catálogo Blu-ray: Criterion Collection #1

Sin lugar a dudas The Criterion Collection es una de las mas grandes productoras de Blu-rays de películas clásicas del mundo, con un enorme esfuerzo de restauración que permite apreciar de manera extraordinaria las obras de cine en todo su esplendor.

Entre su colección encontramos varios títulos de películas mudas de gran calidad, con mas de alguna mas por estrenarse mas adelante. Aunque en general no incorpora subtítulos en español, tendremos que conformarnos con el inglés por el momento.

Aquí algunas de sus películas disponibles:

Título: The Phantom Carriage

Director: Victor Sjöström

Año: 1921

Duración: 107 minutos

Borde: #579

País: Suecia

Intertítulos: Sueco

Subtítulos: Inglés

ZONA: A

Título: Häxan

Director: Benjamin Christensen

Año: 1922

Duración: 102 minutos

Borde: #134

País: Dinamarca

Intertítulos: Sueco

Subtítulos: Inglés

ZONA: A

Título: Safety Last

Director:  Fred Newmeyer

Año: 1923

Duración: 73 minutos

Borde: #662

País: USA

Intertítulos: Inglés

Subtítulos: No

ZONA: A

Título: Lonesome

Director: Paul Fejos

Año: 1928

Duración: 69 minutos

Borde: #623

País: USA

Intertítulos: Inglés

Subtítulos: No

ZONA: A

Título: City Lights

Director:  Charles Chaplin

Año: 1931

Duración: 86 minutos

Borde: #680

País: USA 

Intertítulos: Inglés

Subtítulos: No

ZONA: A

* Criterion tambien se comercializa en Europa con las  mismas características, pero con zona B.

** Para conocer mas catálogo disponible de otras compañías y los próximos lanzamientos consulta nuestra sección del menú en Blu-rays.

Amor Entre Líneas

Las Primeras Representaciones LGBT+ en el Cine Mudo

En los primeros días del cine, las películas estaban empezando a encontrar su voz, tanto literal como figuradamente. Era una época de experimentación y exploración.

A medida que la incipiente industria cinematográfica ganaba impulso, los cineastas audaces buscaban empujar los límites y desafiar las normas sociales. Las regulaciones de censura, los prejuicios y el temor a la reacción pública sofocaban cualquier intento de mostrar comportamientos y situaciones vistas como impropias, entre ellas: la homosexualidad.

Debido a esto, la homosexualidad rara vez se representaba de manera auténtica y explícita, a menudo relegada a indicios sutiles e insinuaciones. No obstante, estas representaciones matizadas permitían a los cineastas eludir la censura y abordar discretamente temas considerados tabú.

Una de las primeras obras destacadas que abordó la homosexualidad fue la película "Anders als die Andern" (Diferente a los demás) de 1919. Dirigida por Richard Oswald, esta película alemana se atrevió a representar una relación homosexual, centrándose en la historia de un violinista que se enamora de otro hombre y que sufre chantaje emocional y literal. A pesar de la representación compasiva de personajes gays en la película, enfrentó desafíos significativos debido a las actitudes sociales predominantes de la época.

Otra película pionera, A Florida Enchantment (1914), exploró la identidad de género y sexualidad desde un enfoque cómico. Dirigida por Sidney Drew, este cuento peculiar giraba en torno a una joven que descubre una semilla mágica que la transforma en hombre. A través de este viaje fantástico, la película tocó sutilmente la fluidez de género y desafió los roles de género tradicionales.

En 1918, otra película alemana, "I Don’t Want to Be a Man", dirigida por Ernst Lubitsch, enfrentó de frente las normas de género y sexualidad. La película se centró en una joven rebelde que, cansada de ser tratada injustamente debido a su género, decide vivir como hombre para comprobar lo fácil que era ser hombre, aunque en el camino se daría cuenta de muchas cosas que pensaba eran diferentes. En su experimento logra desarrollar sentimientos por su tutor, aunque siempre durante el momento en que ella vestía como hombre, destacando la complejidad de la orientación sexual y el deseo.

Dentro de un contexto mitológico y bíblico, la película Salomé (1922), dirigida por Charles Bryant, basada en la obra de Oscar Wilde, se adentró en el mundo sensual del personaje titular y su fascinación por Juan el Bautista. Aunque no abordaba explícitamente la homosexualidad, la representación de sus deidades difuminaban las líneas convencionales de la sexualidad y la atracción.

A medida que avanzaban los años 20, películas como Michael (1924) empujaban los límites aún más. Dirigida por Carl Theodor Dreyer, esta película muda danesa representaba un triángulo amoroso entre un pintor, una inescrupulosa princesa y un joven modelo masculino. Con su exploración de deseos prohibidos y relaciones complejas, "Michael" desafiaba lo conocido acerca de las relaciones amorosas y la bisexualidad, y brindaba al público una visión de las luchas que enfrentaban aquellos cuyo amor desafiaba ciertas convenciones.

La película alemana Sex in Chains (1928) abordaba temas de homosexualidad, encarcelamiento y opresión. Dirigida por William Dieterle, se centraba en un hombre casado que se enamora de otro preso mientras cumple una condena en prisión. La película abordaba la discriminación que enfrentaban los hombres homosexuales y arrojaba luz sobre las dolorosas consecuencias del juicio y la intolerancia social.

Wings (1927), dirigida por William A. Wellman, es conocida principalmente por sus épicas secuencias de guerra en el aire y por ser la primera ganadora del premio de la academia en 1929, pero también incluía una sutil representación de una relación homosexual. Aunque no era explícita, la película insinuaba el profundo vínculo entre dos personajes masculinos, ilustrando el poder de la camaradería y el amor frente a la adversidad.

Por último, llegamos a Pandora’s Box (1929), dirigida por Georg Wilhelm Pabst. Esta película muda alemana cautivó al público con su fascinante representación de la enigmática Lulu, interpretada por la icónica Louise Brooks. La película exploraba temas de sexualidad, obsesión y el poder destructivo del deseo. Las relaciones de Lulu tanto con hombres como con mujeres ofrecían una audaz exploración de identidades sexuales fluidas.

Sin embargo, es importante tener en cuenta que, a pesar de estas películas notables, la representación de personajes LGBT+ a menudo sucumbía a estereotipos y representaciones negativas. Estos personajes a menudo se representaban como figuras trágicas, cargadas de autoaversiones o destinadas a un destino trágico prematuro. Tales representaciones reforzaban imágenes dañinas y fomentaban asociaciones injustas que contribuían a momentos a la discriminación de la comunidad LGBT+ de la época.

Consecuentemente, la introducción del Código Hays en Hollywood en 1930 marcó un punto de inflexión para la representación de la homosexualidad en las películas estadounidenses. Incluso con el advenimiento del cine sonoro, este estricto conjunto de pautas limitó severamente la representación de personajes y relaciones homosexuales, obligándolos a permanecer en las sombras durante décadas.

Bajo el Código Hays, las temáticas LGBT+ estaban estrictamente prohibidas de ser representadas en pantalla. Las relaciones entre personas del mismo sexo se etiquetaban como "perversión sexual" y se consideraban moralmente objetables. Como resultado, la comunidad LGBT+ y sus historias fueron sistemáticamente borradas, negándoles la oportunidad de ser retratadas con autenticidad y dignidad.

Aunque el Código Hays solo afectaba a las producciones en suelo estadounidense, las cosas no eran precisamente mejores al otro lado del Atlántico. El ascenso de la Alemania nazi, a fines de la década de 1920, y la posterior persecución de la comunidad LGBT+ amplificaron aún más los desafíos que enfrentaba el cine gay. Bajo el régimen de Hitler, la homosexualidad se criminalizó y cualquier forma de expresión LGBT+ fue brutalmente reprimida. Innumerables películas fueron destruidas y muchos artistas fueron llevados al exilio o sometidos a horrores indecibles.

Al mirar hacia atrás, podemos apreciar la resistencia y valentía de las personas que se atrevieron a contar estas historias, utilizando el medio del cine como vehículo de expresión, incluso ante la discriminación y la opresión.

A medida que continuamos avanzando hacia un futuro más inclusivo, nunca debemos olvidar a los pioneros del cine mudo gay que allanaron el camino para la diversa representación que disfrutamos hoy. Sus contribuciones nos recuerdan la importancia de contar historias auténticas y fomentar la empatía hacia todos.

¿QUÉ VEMOS HOY? #5

Cabiria (1914)

dir. Giovanni Pastrone

Adéntrate en una máquina del tiempo y prepárate para una odisea cinematográfica como ninguna otra con Cabiria (1914).

Este fascinante película muda épica te llevará a tierras antiguas, donde batallas de grandes proporciones , aventuras trepidantes y espectáculos impresionantes te esperan 

Dirigida por el visionario director italiano Giovanni Pastrone, "Cabiria", su primer largometraje, es un festín para los ojos, con sus gloriosos escenarios, vestuarios opulentos y una cinematografía deslumbrante que te dejará boquiabierto.

Prepárate para un torbellino de emociones mientras sigues a la valiente Cabiria en su viaje a través de terrenos traicioneros y te encuentras con personajes inolvidables en el camino, como el primer sex symbol de la  historia del cine, Maciste.

Para mas información de las películas disponibles, consulta el menú del blog en Ver Películas.

Reseña #2

Häxan (1922)

dir. Benjamin Christensen

Häxan (1922) es una película revolucionaria que se adentra en los oscuros reinos de la brujería y la superstición como nunca antes.

Dirigida por Benjamin Christensen, esta meticulosamente elaborada gran obra del cine mudo escandinavo, explora la historia de las cacerías de brujas, las creencias en la brujería y la histeria que envolvió a las sociedades a lo largo de los siglos.

Con su innovadora mezcla de narración estilo documental y recreaciones deslumbrantemente vívidas de juicios de brujas y representaciones inquietantes de lo sobrenatural, Häxan desafía las normas sociales y ofrece una exploración reflexiva sobre el miedo humano y el poder del mito.

Estrenada el mismo año que Nosferatu, Häxan es parte de la cuna del terror en el cine, una invitación diferente para adentrarnos en un mundo de sombras y secretos, donde la realidad y la fantasía se entrelazan.

¿Que dice el Team Cine Mudo?

CRISTIAN: Espeluznantemente satisfactoria, es quedarse corto con el sentir que te deja Häxan, un trabajo de joyería crítica, expuesto por Benjamin Christensen a la sociedad de hace un siglo, pero que repercute especialmente hoy a la nuestra. El formato del falso documental tiene a uno de sus primeros exponentes,  donde recrea pasajes históricos oscuros del acontecer humano y su relación con le mente,  las creencias, la religión y el mito. Un plato de fondo seguro para el próximo halloween. ⭐⭐⭐⭐

FERNANDO: Obra maestra que es capaz de enlazar géneros tan dispares como el documental ficcionado, el terror, la fantasía y el drama psicológico y social. ⭐⭐⭐⭐⭐

JESUS: Si la fuerza visual de Häxan es hoy en día muy potente, no se puede imaginar lo que supuso para la sociedad de principios de siglo XX exponerse a esta película. Excelente cuasi-documental donde el autor, además de exponer, reflexiona, cual ensayista, sobre las supersticiones, supercherías y creencias demoníacas en la Inquisición, en contraste con la sociedad contemporánea al autor. ⭐⭐⭐ ½

MARIA: Häxan es un estudio de la brujería a través de los tiempos llevado a cabo desde un punto de vista casi científico: Christensen analiza la historia de la brujería, sus causas, sus procedimientos y sus consecuencias; incluso llega a buscar las razones por las que se dio y las enlaza con la perspectiva de la época, todo ello sin juzgar a los implicados, entendiendo que es fruto de una época pasada de la que aún pervivían ciertos ecos en su presente. Pese a ser un documental, no pierde de vista los aspectos más narrativos o visuales, que encuentran su zenit en la recreación de las ceremonias de brujería. ⭐⭐⭐⭐⭐

PABLO: Christenssen es un tipo tan inteligente que decide meternos un caballo de Troya a través del cine de género, la brujería y el terror, para hablarnos realmente sobre la violencia machista estructural que las sociedades han ejercido contra las mujeres desde la antigüedad. Sin por ello renunciar al discurso esotérico y surrealista de los akelarres, de figuras demoníacas que transitan desde figuras antropomórficas hasta engrendos que entroncan con la tradición del horror literario más extremo, ni tampoco al juego de diversas técnicas cinematográficas como los fondos pintados, las sombras chinescas o complejos ángulos en los que colocar la cámara, lo que convierte a "Haxan" en una de las películas más modernas de su década. ⭐⭐⭐⭐ ½

VEREDICTO

Curiosidades del Cine Mudo #2

No Tan Mudas, Después de Todo.

Las películas mudas, tal como su nombre lo indica, podrán denominarse "mudas", pero distaban mucho de ser asuntos silenciosos.

Así es, mis queridos cinéfilos, las películas mudas eran una sinfonía de imágenes y sonidos, incluso sin palabras habladas.

Imagina los ágiles dedos de un pianista danzando sobre las teclas, creando el ambiente con melodías dramáticas o juguetonas, que reflejaban las travesuras en pantalla.

En algunas proyecciones, se contaba con orquestas enteras, con instrumentos de bronce y cuerdas, combatiendo en vibrantes armonías. ¡Imagina la energía y la emoción en ese teatro!

Pero no olvidemos el genio creativo de los artistas de efectos de sonido, quienes daban vida a estruendosos choques, espadas que se deslizaban y trenes rugientes, utilizando ingeniosos accesorios y dispositivo. ¡Era una verdadera extravagancia audiovisual!

¡Pero espera, hay más! Algunos teatros incluso tenían narradores o conferencistas que proporcionaban comentarios en vivo, describiendo la acción que se desarrollaba en la pantalla y asegurándose de que ningún detalle pasara desapercibido. Estos narradores eran como los guías animados de una emocionante aventura, cautivando al público con sus descripciones vívidas.

Así que, como ves, las películas mudas estaban lejos de ser silenciosas. Eran experiencias inmersivas, donde la música, los efectos de sonido y la narración transformaban las imágenes en movimiento en una impresionante sinfonía de entretenimiento. Fue una época en la que la magia del cine cobraba vida de una manera única y encantadora.

¿QUÉ VEMOS HOY? #4

Dante´s Inferno (1911)

dir. Francesco Bertolini & Adolfo Padovan

Adéntrate en las ardientes profundidades de Dante´s Inferno (1911), ¡donde te esperan aventuras abismales!

Esta temprana adaptación cinematográfica muda del épico poema de Dante Alighieri te llevará a un salvaje viaje a través de los nueve círculos del infierno.

Prepárate para impactantes efectos especiales, mientras los demonios bailan y las llamas titilan, dando vida al inframundo en sus más vívidas formas.

Sigue a Dante mientras se encuentra con almas atormentadas y enfrenta la ira de criaturas infernales. No es un espectáculo para los débiles de corazón.

Con su atmosfera escalofriante y vistosas composiciones visuales, este viaje cinematográfico al averno te dejará fascinado.

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Las Heroínas Olvidadas

Directoras Pioneras que Moldearon la Historia del Cine

El mundo del cine, con todo su brillo y glamour, siempre ha cautivado a las audiencias alrededor del mundo. Mientras muchos están familiarizados con directores legendarios como Charlie Chaplin y D.W. Griffith, pocos conocen a las mujeres notables que desafiaron las normas sociales y realizaron contribuciones significativas a la evolución del cine durante la era silente.

Alice Guy-Blaché: Una Innovadora Visionaria

En los días nacientes del cine, Alice Guy-Blaché emergió como una verdadera visionaria. En 1896, dirigió "The Cabbage Fairy" (La hada de los repollos), ampliamente reconocida como la primera película narrativa dirigida por una mujer. Este logro notable allanó el camino para innumerables cineastas mujeres que le seguirían. La filmografía de Guy-Blaché cuenta con más de mil películas, que demuestran su versatilidad y dedicación a su oficio. Sus películas exploraron una amplia gama de géneros, desde la comedia hasta el drama, e incluso experimentó con sonido sincronizado antes de su tiempo.

The Cabbage Fairy (1896) dir. Alice Guy-Blaché

Lois Weber: Una Mujer de Muchos Primeros Lugares

Lois Weber, en su momento la directora mejor pagada de Hollywood, fue la primera mujer estadounidense en dirigir una película de larga duración, "The Merchant of Venice" (El mercader de Venecia) en 1914, y continuó rompiendo barreras con su narrativa provocativa, utilizando su plataforma para desafiar los estereotipos de género y explorar las complejidades de las normas sociales. Weber abordó audazmente temas sociales controvertidos de la época, como el control de la natalidad, el aborto y la pobreza. Sus películas, como "The Blot" (1921) y "Hypocrites" (1915), revelaban su profunda empatía y aguda comprensión de la condición humana.

Shoes (1916) dir. Lois Weber

Germaine Dulac: Un Icono Vanguardista Francés

Germaine Dulac, una cineasta francesa, abrazó el movimiento vanguardista y dejó una huella indeleble en el cine silente. Conocida por su imaginería surrealista y técnicas innovadoras de narración, las películas de Dulac desafiaron las estructuras narrativas convencionales y se adentraron en el reino de los sueños y las fantasías. Su obra maestra "The Smiling Madame Beudet" (La sonriente Madame Beudet) en 1923 es una exploración conmovedora de una mujer atrapada en un matrimonio sin amor, que muestra la habilidad de Dulac para representar la agitación interna de sus personajes.

The Smiling Madame Beudet (1923) dir. Germaine Dulac

Dorothy Arzner: Una Fuerza Directiva en Hollywood

Dorothy Arzner hizo historia como la primera mujer en dirigir una película sonora, pero sus contribuciones a la era del cine silente no deben ser pasadas por alto. Arzner comenzó su carrera como taquígrafa en un estudio de cine y se abrió camino hasta convertirse en una directora altamente respetada. Conocida por su meticulosa atención al detalle e innovadoras técnicas de cámara, Arzner dirigió películas como "Fashions for Women" (Moda para mujeres) en 1927, una película que exploraba la vida de las mujeres en el mundo de la moda, con la cual, Arzner demostró su habilidad para capturar la elegancia y el glamour en la pantalla, al tiempo que abordaba temas relevantes para la época. Otras de sus obras mudas fueron Get Your Man de 1927, protagonizada por la icónica Clara Bow, y Manhattan Cocktail de 1928. 

Get Your Man (1927) dir. Dorothy Arzner

Olga Preobrazhenskaya: Una Pionera Soviética

Olga Preobrazhenskaya fue una directora pionera en el cine soviético y una de las primeras directoras mujeres en Rusia. Conocida por su sólida narrativa y desarrollo de personajes matizados, Preobrazhenskaya aportó una perspectiva fresca al panorama cinematográfico. Sus películas a menudo exploraban temas sociales y capturaban la esencia de la época, ofreciendo una visión única del clima cultural y político de la Rusia del siglo XX. Las obras destacadas de Preobrazhenskaya incluyen "The Peasant Women of Ryazan" (Las mujeres campesinas de Ryazan) en 1927 y "The Last Attraction" (La Última Atracción) en 1929.

The Peasant Women of Ryazan (1927) dir. Olga Preobrazhenskaya

Nell Shipman: Una Aventurera del Cine Independiente

Nell Shipman fue una directora, escritora y actriz notable que abrazó el espíritu de independencia en su cine. Cofundó su propia compañía de producción, Shipman-Curwood Producing Company, y se aventuró en la naturaleza salvaje de Canadá para crear películas únicas y aventureras. Las películas de Shipman a menudo mostraban personajes femeninos fuertes y exploraban temas de supervivencia y naturaleza. Obras destacadas incluyen "The Girl from God's Country" de 1921 y "The Grub-Stake" (La inversión minera) en 1923, que recibieron reconocimiento crítico por su narración innovadora y cinematografía impresionante.

The Grub-Stake (1923) dir. Nell Shipman

Lotte Reiniger: Maestra de la Animación en Silueta

Lotte Reiniger fue una animadora y directora pionera que creó películas fascinantes utilizando técnicas intrincadas de animación en silueta. Conocida por su trabajo en el género de "teatro de sombras", las películas de Reiniger combinaban recortes de papel intrincados con una narración innovadora. Su obra más famosa, "The Adventures of Prince Achmed" (Las aventuras del príncipe Achmed) en 1926, se considera la película animada de larga duración más antigua que aún se conserva. Las películas de Reiniger transportaban a las audiencias a mundos encantadores de fantasía y siguen inspirando a los animadores hasta el día de hoy.

The Adventures of Prince Achmed (1926) dir. Lotte Reiniger

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Aunque los logros de estas directoras durante la era del cine silente fueron monumentales, a menudo sus contribuciones pasaron desapercibidas, sin reconocimiento ni crédito.

Sin embargo, su resistencia y visión creativa allanaron el camino para las futuras generaciones de mujeres cineastas, inspirándolas a superar barreras y reclamar su lugar legítimo en la silla de dirección.

Sus historias nos recuerdan que el poder de la narración no conoce género y depende de nosotros reconocer y celebrar las contribuciones de estas heroínas desconocidas. Que su legado sirva como inspiración para las futuras generaciones, asegurando que la silla de dirección siga siendo un espacio inclusivo para todos los talentosos narradores.

Reseña #1

Sherlock Jr. (1924)

dir. Buster Keaton

Adéntrate en el mundo del misterio y la ilusión con Sherlock Jr. (1924), un clásico atemporal en el ámbito de la comedia de la era muda.

Dirigida por el legendario Buster Keaton, esta película te lleva en una encantadora aventura mientras un proyeccionista soñador se convierte en un torpe, que vive las más hilarantes desventuras mientras navega por una red de intriga, utilizando su ingenio y encanto para resolver un desconcertante crimen.

¿Que dice el Team Cine Mudo?

AGU: Sherlock Jr. es un festival de emociones. La película, en sus escasos 45 minutos de duración, condensa grandes cantidades de aventura, romance y comedia, las suficientes para demostrarnos lo importante que es emocionarse y reir a carcajadas junto a  una película. Sus alucinantes gags y su ritmo endemoniado la convierten, cien años después de su estreno, en una cinta tremendamente moderna. ⭐⭐⭐⭐⭐ 

CRISTIAN: Inventiva y extremadamente chistosa. Sherlock Jr. es sin duda un triunfo de la creatividad de Buster Keaton, no sólo por sus innumerables efectos prácticos, muy pulidos para la época, sino además por una interpretación magistral, entre sus expresiones y su comedia física. Una narrativa consistente en un mar de aparatosos gags, que solo te dejan pensando en como lo pudo hacer. El mejor remedio tras un día complicado. ⭐⭐⭐⭐

FERNANDO: Uno de los primeros antecedentes con éxito del cine de parodia de detectives. ⭐⭐⭐⭐

JESUS: En Sherlock Jr., Buster Keaton, ofrece una de las primeras muestras históricas del género "cine dentro del cine", utilizando recursos precursores del cine posterior, siendo así, una vez más, pionero del cine que vendrá. Además, y no es baladí, ofrece una exhibición de slapsticks brillantes en cada uno de los sketch de la película.⭐⭐⭐⭐⭐ 

MARIA: Sí, Sherlock jr. es una maravilla y no es sólo por la comedia; es, sobre todo, por la originalidad en las formas de Buster Keaton. Momentos como la parte del cine son muestra más que suficiente de aquello. ⭐⭐⭐⭐ ½

PABLO: Irónicamente, la película trata una reflexión sobre el cine como elemento de fantasía y entretenimiento del espectador. Una preciosa secuencia en la que el personal de Keaton se queda dormido mientras proyecta una película, desdoblando su "alma" y caminando hacia la pantalla, incrustándose en ella para transitar hacia ese otro mundo de la fantasía cinematográfica. Recursos que han influido notablemente a directores posteriores como Spielberg o el Woody Allen de esa joya que es "La Rosa Púrpura de El Cairo". Una película que servía de alegato hacia el cine como mecanismo de escapismo para olvidar nuestras penas diarias. Así, Allen, Spielberg y Keaton se pronuncian sobre ese snob debate sobre la naturaleza del cine. ⭐⭐⭐⭐⭐ 

VEREDICTO